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0 Une session de cours "Grandes Vacances" : l'été en musique ! ...
L'été arrive, et avec lui, une ambiance plus légère, des journées plus longues et, bien sûr, les grandes vacances tant attendues. Mais qui a dit que les vacances devaient rimer avec pause musicale ? Cette année, profitez de la session de cours "Grandes Vacances" pour continuer à faire vivre votre passion... tout en douceur ! Continuer à apprendre, à son rythme Suivre des cours de musique sur une base hebdomadaire pendant l'été est sans doute la formule la plus efficace pour maintenir ses acquis, progresser et, surtout, garder le lien avec son instrument et son professeur. Contrairement à une pause prolongée, cette continuité permet d'éviter les oublis et de garder une belle dynamique, même sous le soleil ! Une grande flexibilité pour s'adapter à vos vacances Parce que ce sont les vacances, justement, cette session a été pensée avec une grande souplesse : les cours peuvent être déplacés en cas d’absence ou d’empêchement. Vous partez quelques jours ? Aucun souci : il suffira de prévenir à l’avance pour reprogrammer votre séance. L’objectif est de s’adapter à votre emploi du temps, et non l’inverse. Un été propice à la créativité Les vacances offrent un cadre idéal pour explorer la musique différemment : essayer un nouveau style, improviser davantage, composer, ou simplement prendre le temps de savourer chaque note. Libéré des obligations scolaires ou professionnelles, on joue souvent mieux, avec plus de plaisir et de liberté. Pour qui ? La session "Grandes Vacances" s’adresse à tous : enfants, ados, adultes, débutants ou musiciens confirmés. Que vous soyez là tout l'été ou seulement quelques semaines, il est possible d’organiser un planning personnalisé. Alors, prêt(e) à passer un été en musique ? Inscrivez-vous dès maintenant pour réserver vos créneaux et profiter d’un accompagnement musical tout au long des vacances… avec légèreté et flexibilité !
0 Au Pays de Galles, chaque enfant entre 3 et 16 ans pourra recevoir un instrument de musique et des cours pratiques ...
Pour le ministre de l’éducation du Pays de Galles, la musique est l’un des plus sûrs moyens de communiquer une culture et une langue. Pour mettre en pratique cette idée, le gouvernement a triplé le budget du National Music Service. Au total, 5,3 millions d’euros destinés à offrir à chaque enfant âgé de 3 à 16 ans un instrument de musique. Ledit ministre Frédéric Miles relaie ainsi cette bonne nouvelle sur twitter : "on veut être sûrs que tous les enfants partout dans le pays bénéficient d’une éducation musicale", un projet culturel, et social donc. En effet, les instruments de musique, souvent chers, ne s’adressent malheureusement qu’à une partie de la population. Maintenant, les enfants de classes plus défavorisées seront aussi concernés et investis dans cet apprentissage. En musique, l’instrument ne suffit pas ! C’est pourquoi le gouvernement associe à ce don une accessibilité d’étude. A partir de septembre 2022, deux programmes seront mis en place pour démocratiser l’éducation musicale. Pour les plus jeunes, "First experience" offrira une initiation de la pratique instrumentale. Les plus avancés bénéficieront de "Making Music with others", qui consiste à l’étude de l’instrument auprès de musiciens de haut niveau, créant un lien entre musique et monde professionnel. En somme, une réforme bienvenue, qui donne la chance à tous les enfants de s’exprimer à travers la musique, alliant rigueur et plaisir. Le métier de professeur de musique est lui aussi revalorisé, grâce à un programme qui promeut l’éducation musicale et lui redonne son importance. Connue pour ces nombreux festivals et évènements culturels, le Pays de Galles rayonne de par une culture affirmée mais accueillante et ouverte sur le monde. C’est bien dans cette lignée que s’inscrivent ces nouveaux programmes : cette réforme sociale est l’occasion d’étoffer le paysage culturel du pays. Promesse d’un bel avenir.
0 Nos formules de cours pour garder le niveau en musique pendant les vacances d'été ...
À l’arrivée des vacances scolaires, la routine des enfants se voit bouleversée : pour leur plus grand bonheur, vos chères têtes blondes ne doivent plus se lever chaque matin pour rejoindre l’école… Mais d’autres activités s’arrêtent : ceux qui participent à un club sportif doivent attendre septembre pour reprendre les entraînements et, généralement, il en va de même pour les cours de musique. Pour autant, la pratique d’un instrument demande une véritable assiduité, surtout lorsque l’on débute. Comment s’organiser pour que votre enfant, pendant les deux mois d’été, ne perde pas la main ? Existe-t-il même des moyens afin qu’il progresse avant la rentrée ? Nos conseils ! Bien entendu, ces conseils ne sont pas destinés qu’aux enfants et débutants… La pratique de la musique est comme un sport Il est important de ne pas arrêter la pratique de son instrument pendant une longue période, votre enfant risquerait de perdre en souplesse et l’entretien des muscles qui servent à jouer est essentiel. Les musiciens, diront certains, ont la « mémoire du toucher », une longue période d’inactivité musicale pourrait faire perdre à votre enfant la maîtrise de son instrument. Garder ses repères sur son instrument, la tonicité dans les doigts, la notion des notes et du rythme… autant de choses qui permettront de ne pas perdre tous les acquis de notre musicien débutant, afin de ne pas se retrouver presque au point de départ après ces deux longs mois d’été. Et pourquoi pas lire notre livre blanc cet été, pour ne rien oublier et rester motivé(e) même pendant les vacances ! N'oubliez pas non plus d'inciter votre enfant à revoir les bases de son instrument : positions des doigts, exercices simples, se remémorer les conseils reçus lors des premiers cours et chercher des conseils via de nouvelles sources. Car sinon, les doigts risquent d’être engourdis et maladroits, et la lecture des notes risque de ne pas être aussi fluide et rapide qu’avant l’été. Participer à un stage musical Peut être y avez-vous déjà pensé pour vous ou pour vos enfants. La réalisation d’un stage musical ou d’un MasterClass, que l’on pratique du piano, du chant, de la guitare, de la batterie, du saxophone, du violon ou tout autre instrument est souvent l’occasion de bien des surprises et des changements tant dans sa pratique musicale que dans la manière de l’aborder. La rencontre d’autres musiciens La rencontre d’autres musiciens est aussi l’occasion d’imprégnation et de modélisation. Ce sont les modèles qui nous permettent de grandir y compris dans la musique. Ce processus commence déjà tout jeune lorsque les enfants ou même les adolescents s’imaginent à la place de musiciens connus. Une session de cours 'Grandes Vacances' Continuer à suivre des cours sur une base hebdomadaire sera sans doute le plus efficace. Cette formule permet de continuer l'étude de la musique tout au long des vacances avec la possibilité de déplacer les cours en cas d'absence ou d'empêchement. Après tout... ce sont les vacances ! Poursuivre l’éveil musical Tous les parents n’ont pas les moyens de payer un nouveau professeur en été, d’acheter un instrument simple à transporter dans les valises ou d’inscrire les enfants en stage de vacances. Heureusement, il existe aussi des méthodes qui maintiennent les jeunes en éveil sur le plan artistique, sans dépenser ne serait-ce qu’un centime?! Écoutez un maximum de musique à la maison, partagez vos découvertes avec les enfants, interrogez-les sur les différents instruments existants ou montrez-leur des tutoriels à leur portée, que l’on peut facilement trouver sur YouTube. De cette façon, la musique ne sera jamais loin et, en septembre, ils n’auront aucune difficulté à reprendre le rythme des cours de musique. Et s’ils n’ont pas été aussi assidus pendant les vacances qu’au cours de l’année scolaire, faites-leur reprendre les bonnes habitudes avant la rentrée. Pour cela, faites-les commencer à travailler lentement et à un tempo lent, qu’ils augmenteront de manière progressive. Faites-leur faire quelques exercices d’assouplissement des doigts et travailler les morceaux de musique qu’ils préfèrent. Pour plus de lecture cet été : téléchargez notre e-book pour tout savoir sur la musique !
0 Cours en présentiel : quelle formule choisir ? ...
Il n'est pas si évident de choisir la bonne formule pour suivre les cours de musique. Outre nos cours en ligne, nos cours en présentiel sont répartis en deux catégories principales : les cours collectifs et les cours particuliers. Cet article va vous permettre d'y voir plus clair ! L'ENSEIGNEMENT EN COURS COLLECTIF Le principe est simple. Un programme de travail spécifique est donné à chaque élève selon ses capacités et son niveau. Grâce à l'utilisation d'outils multimédia performants, nos cours collectifs sont individualisés selon le niveau précis et les progrès de chaque élève. Ainsi chaque élève apprend et progresse à son propre rythme indépendamment des autres participants. Le professeur suit les progrès de chaque élève, comme dans une classe d'école classique pour écouter l'élève et lui apporter toutes les recommandations utiles. D'autre part, le cadre d'un cours collectif permet l'interaction entre plusieurs élèves à certains moments. La rencontre d’autres musiciens est aussi l’occasion d’imprégnation et de modélisation. Ce sont les modèles qui nous permettent de grandir y compris dans la musique. La réussite d'un tel enseignement repose avant tout sur son coût de revient relativement bas qui le rend accessible au plus grand nombre. L'ENSEIGNEMENT EN COURS PARTICULIER L'enseignement en cours particulier est à ce jour la meilleure façon de conduire l'apprentissage de la musique. Ce type d'enseignement offre tellement d'avantages que l'on oublie souvent ses inconvénients… Si, contrairement au cours en collectif, le cours individuel autorise une meilleure écoute (au sens propre, comme au sens figuré) et une 'construction musicale' plus efficace, son principal inconvénient est d'être limité par son champ d'action. En effet, le jeu en groupe est impossible ou alors réduit à son strict minimum : le professeur et son élève. QUAND L'ENSEIGNEMENT SE PRATIQUE AU 'CAS PAR CAS' Dans ce type d'enseignement, l'élève n'est conduit ni par une méthode obligatoire, ni par un enseignement collectif et encore moins par un professeur dirigiste. Les cours sont généralement d'une heure, voire plus. L'écoute est privilégiée et des tests sont programmés. De là, émergent des pistes pédagogiques qui sont ensuite conduites et amplifiées par l'enseignant. La réussite de chaque plan de travail dépend de ses compétences, mais aussi des idées qui peuvent surgir lors des cours. L'approche pédagogique est donc sensiblement différente du cours particulier 'classique', car aucun programme n'est mis en place par avance. Dans l'enseignement au 'cas par cas', la pratique instrumentale peut être remise en question à tout moment pour rebondir dans une autre direction. Les tests pratiqués déterminent le profil général de l'élève : test auditif, mémorisation, créativité, aptitude morphologique, etc. L'échafaudage de plusieurs plans de travail est parfois nécessaire avant de trouver celui qui convient. Cet enseignement demande un surcroît d'énergie, mais également une bonne dose de concentration pour être mené à bien. Des connaissances en psychologie sont souvent nécessaires. Généralement, une approche pédagogique au 'cas par cas' coûte financièrement plus cher et se justifie par des compétences pédagogiques et un investissement humain plus important. Cette solution garantit de meilleurs résultats. Si l'élève possède de la motivation, les échecs sont très rares, car il est toujours possible de rebondir avant que le signal d'alarme ne retentisse. EN CONCLUSION Dans tous les cas, quelle que soit la formule de cours que vous choisirez pour vous ou votre enfant, gardez à l'esprit que LE PROFESSEUR DOIT SAVOIR OBSERVER ET ANALYSER LES COMPORTEMENTS DE L'ÉLÈVE AFIN QUE L'ENSEIGNEMENT PRATIQUÉ CONSERVE UN ÉQUILIBRE SATISFAISANT ENTRE LE PLAISIR, LES OBJECTIFS ET LA TECHNIQUE.
0 Quelles sont les qualités d'un bon professeur de musique ? ...
Vous avez toujours aimé la musique et vous avez récemment appris qu’elle était bénéfique pour le développement des enfants. Vous aimeriez donc que votre enfant apprenne à jouer d’un instrument, mais vous ne savez pas à qui vous adresser ! Tout le monde sait à quel point le choix du professeur est important quelle que soit la matière ! Suffit-il d’être musicien pour pouvoir enseigner la musique ? Un prodige du piano sera-t-il capable de captiver Mini-vous ? Quelles sont les qualités indispensables pour enseigner la musique aux tout-petits ? Comment savoir que celui ou celle à qui vous confierez la prunelle de vos yeux réussira à la motiver sur le long terme ? Quels sont les signes qui montrent que vous avez trouvé le bon professeur de musique ? Si vous n’avez toujours pas trouvé de réponses satisfaisantes à ces questions, lisez vite cet article ! 1 – La pédagogie Comme tout parent, vous savez pertinemment que la petite tête d’ange que vous aimez par-dessus tout n’est pas toujours très coopérative ! Il y a en réalité toutes sortes de raisons pour qu’il détourne son attention sur autre chose. Il faut alors être capable de capter à nouveau son intérêt et pour cela il faudra faire preuve de pédagogie et être capable de varier les techniques ! Avant l’âge de 3 ans, les enfants ne sont pas capables de maintenir leur attention plus de dix minutes. C’est pourquoi il faut prévoir des activités variées et penser à faire des pauses pour ne pas surcharger leur cerveau en plein développement ! Comme nous l’explique Elisabeth, professeur de piano depuis 2015, « Toutes les techniques ludiques sont à prioriser avec les enfants. Le plus difficile n’est pas forcément de capter leur attention mais de la conserver. Les petits ne sont pas capables de rester concentrés sur le même exercice et la même méthode pendant une heure de cours, c’est impossible d’attendre ça d’eux. Il faut donc varier les activités, changer toutes les dix minutes pour qu’ils assimilent, tout en s’amusant. » 2 - La patience La pédagogie ne suffit pas pour enseigner la musique ni même aucune autre matière. En effet, il ne s’agit pas seulement d’avoir de bonnes techniques mais aussi de s’adapter aux spécificités des enfants. Si vous avez plusieurs enfants, vous avez évidemment remarqué qu’ils n’ont pas tous le même comportement, les mêmes facilités et qu’il est parfois difficile de réaliser avec l’un d’eux, ce qui est facile avec un autre. C’est tout simplement que chaque enfant est unique ! C’est donc au super professeur de musique d’adapter ses techniques d’apprentissage et pour cela il faudra que le professeur de musique fasse preuve de patience ! A partir de 6 ans, les enfants peuvent être plus attentifs mais ça ne garantit pas pour autant qu’ils seront motivés à travailler entre chaque cours ! Si ce n’est pas le cas, il serait totalement contre-productif de s’énerver, au contraire la patience est le meilleur allié d’un bon professeur de piano par exemple, d’autant plus si l’enfant n’a pas vraiment la passion pour la musique. C’est ce que nous explique Angélina, professeur de piano depuis 2018 : « Il y a deux sortes d’élèves : ceux pour qui c’est une passion et ceux pour qui c’est un passe-temps. Souvent les premiers sont plus investis que les seconds dans les entrainements entre chaque cours. Si bien qu’avec les seconds on stagne davantage, il faut reprendre souvent les mêmes choses donc ça demande de la patience. De même, lorsque ce sont les parents qui imposent les cours à leurs enfants, il manque parfois la petite flamme et ça rend l’apprentissage plus difficile pour l’enfant. » 3 – La bienveillance Comme pour n’importe quelle matière, les enfants (mais aussi les adultes !) apprennent mieux quand ils se sentent en confiance avec leur professeur. Savoir que l’on peut poser des questions, exprimer ses inquiétudes et ses difficultés, qu’il est normal de se tromper en période d’apprentissage, tout cela est essentiel pour progresser ! En effet, la bienveillance est la qualité principale des meilleurs professeurs de musique ! Et si certains professeurs de musique pensent qu’il faut pousser à bout leurs élèves pour viser l’excellence, comme Terence Fletcher, professeur de batterie un peu sadique dans le film Whiplash, ce n’est heureusement pas le cas des professeurs de nos écoles ! Au contraire, comme le précise Elisabeth, il est important de toujours mettre en valeur les progrès des élèves ! « Il ne faut jamais dévaloriser un enfant. Je pense qu’au contraire il faut s’adapter à leur vitesse d’apprentissage et toujours les encourager. Ça ne veut pas dire n’avoir aucun sens critique mais être dans la critique constructive. Si un élève n’a pas assez travaillé, il faut le dire bien-sûr mais trouver les bons mots. Même lorsque l’apprentissage est difficile, il faut savoir faire d’une faiblesse une force, lui dire que même s’il met du temps, il a le mérite de s’accrocher. » 4 – L’humour Et si malgré tous les efforts, malgré la pédagogie, la patience et l’empathie, l’élève reste bloqué et n’arrive pas à progresser, est-ce vraiment définitif ? Est-ce vraiment si dramatique ? Ne dit-on pas « il vaut mieux en rire qu’en pleurer » ? Face à un élève stressé qui ne parvient pas à contourner ses difficultés et qui semble perdre confiance en lui ou qui baisse les bras, l’humour est un bon allié ! C’est en effet l’arme secrète qu’Angélina et Elisabeth utilisent lorsqu’elles se retrouvent face à des enfants dont l’apprentissage stagne et qui le vivent très mal ! N’oublions pas que les enfants sont en pleine construction sur le plan émotionnel et qu’il est très difficile pour eux de gérer leurs émotions, notamment la frustration. Cela peut vite donner lieu à des situations anxiogènes pour eux et c’est pourquoi faire preuve d’humour est une bonne idée pour les ramener à la réalité et leur permettre de réaliser que tout est passager. Pour Angélina, s’il manque « la passion », l’apprentissage est davantage perçu comme une contrainte ce qui peut rendre les cours compliqués. Elle choisit alors de « faire des blagues pour détendre l’atmosphère » et il semble que ce soit un bon moyen de rebooster ses élèves ! Pour Elisabeth, l’humour est l’occasion d’encourager les élèves à se dépasser et à apprendre la persévérance ! « Par exemple, quand mes élèves bloquent sur un passage difficile, je leur propose de faire la règle des 3x sans faute. Ils doivent donc réussir à jouer le passage trois fois sans erreur pour pouvoir passer à autre chose. C’est pénible pour eux mais c’est aussi l’occasion de les faire rire un peu et de détendre l’atmosphère. » 5 – L’écoute Les enfants ont besoin de se sentir en confiance et écoutés pour rester motivés. Il est tout à fait inutile de fixer des objectifs trop difficiles qui risqueraient d’associer l’apprentissage de la musique à quelque chose de négatif. Au contraire, il faut pouvoir écouter leurs limites et adapter les cours de musique à leurs capacités, et même à leurs goûts ! Un professeur de musique doit être prêt à modifier sa trajectoire s’il veut capter l’attention et l’intérêt des enfants. C’est même précisément ce qui différencie les cours particuliers de musique des cours de musique en conservatoire : c’est le programme qui s’adapte à l’élève et non l’inverse. C’est ce que recommande Elisabeth qui enseigne le piano depuis l’âge de 17 ans : « Un bon professeur de piano doit être à l’écoute des élèves et capable d’adapter les passages trop difficiles, il doit être prêt à simplifier les partitions notamment si les élèves ont envie de jouer un morceau en particulier mais qu’ils n’ont pas le niveau. Jouer doit être un moment de plaisir avant tout. » 6 – La passion Evidemment, parmi les meilleurs professeurs de musique, on ne trouve que des musiciens et musiciennes passionné(e)s ! Comment transmettre l’amour de la musique si l’on vient enseigner à reculons ? Impossible ! Les cours particuliers de piano ou de guitare ou de tout autre instrument sont avant tout un moment de partage entre l’élève et son professeur. Il n’est pas question de simplement communiquer une information, il y a tout un univers à faire découvrir aux enfants, une passion à faire naitre, une flamme à entretenir ! Un professeur de musique qui ne sourit pas, ne prend pas de plaisir à enseigner ne sera pas aussi captivant qu’un professeur qui amène avec lui une part d’art et de magie. Pour Angélina, l’enseignement a toujours été un rêve qu’elle ne s’autorisait pas à concrétiser, faute de confiance en elle. C’est sa professeure de piano en conservatoire qui lui a transmis la confiance dont elle avait besoin pour se lancer et qui lui permet aujourd’hui d’aider les enfants à se réaliser à travers la musique. « Il y a tellement d’émotions qui passent par la musique, ça ouvre beaucoup de portes ! La musique me bouleverse et j’essaie de transmettre cela à mes élèves. On parle beaucoup, on échange beaucoup notamment sur les ballets, l’histoire de la musique, leurs goûts aussi. » Pour Elisabeth, l’enseignement a été l’occasion d’apprendre très tôt à se remettre en question pour savoir comment transmettre au mieux. « Il y a un plaisir incontestable dans l’enseignement et c’est un plaisir partagé. Quand je sors d’un cours, je me sens toujours bien et apaisée. » Ces deux professeurs de piano pour enfant aux trajectoires différentes, partagent la même tendresse pour le piano, la musique a toujours été, pour elles, l’occasion de se surpasser. C’est sans doute ce que l’on peut espérer de mieux d’un professeur de musique, qu’il donne à l’enfant un but, du talent, de la confiance en soi et l’envie de mettre toutes ces qualités à profit.
0 Et si vous faisiez un stage de musique ? ...
Et si vous faisiez un stage de musique ? Stage de weekend ou un stage musical de vacances Peut être y avez-vous déjà pensé pour vous ou pour vos enfants. La réalisation d’un stage musical ou d’un MasterClass, que l’on pratique du piano, du chant, de la guitare , de la batterie, du saxophone ou tout autre instrument est souvent l’occasion de bien des surprises et des changements tant dans sa pratique musicale que dans la manière de l’aborder. Il est possible de démarrer par des stages musicaux de weekends puis de profiter des ses vacances pour se fondre un peu plus au milieu d’autres musiciens. Une autre pratique musicale pour des progrès techniques Lorsque vous travaillez votre instrument de musique principalement chez vous, seul dans votre coin, et sur le lieu ou vous prenez des cours de musique la routine s’installe souvent. Toujours les mêmes temps de pratique, les mêmes habitudes quand ce n’est pas les mêmes erreurs. Peut-être avez-vous déjà fait l’expérience de ce que peut produire le changement de cadre et de contexte. Il est propice à la découverte de nouvelles compétences. Changer le contexte et une belle manière de lâcher prise, de se découvrir autrement et de se laisser surprendre par ce dont nous sommes capables. La diversité des approches pédagogiques pour apprendre à jouer Rencontrer d’autres professeurs est aussi l’occasion d’approcher la musique différemment avec une autre philosophie, de nouvelles techniques instrumentales. Par ailleurs, d’un enseignant à l’autre les méthodes pédagogiques peuvent varier : écoute, explications, conseils, démonstrations, métaphores….Certains sauront vous rejoindre par la méthode qui vous convient le mieux là ou d’autres n’ont pas réussi. Une seule rencontre peut être l’occasion d’importants progrès dans l’approche de la musique et le travail qu’elle demande au musicien. La rencontre d’autres musiciens La rencontre d’autres musiciens est aussi l’occasion d’imprégnation et de modélisation. Ce sont les modèles qui nous permettent de grandir y compris dans la musique. Ce processus commence déjà tout jeune lorsque les enfants ou même les adolescents s’imaginent à la place de musiciens connus. Par ailleurs les stages sont l’occasion de découvrir d’autres instruments, parfois de s’y essayer voire de s’y mettre un jour. En stage de musique : relier pratique instrumental et plaisir Outre les échanges de passionnés entre musiciens, la plupart des séjours ou des stages de musique prévoient une partie de travail d’ensemble ou d’orchestre. Ces temps sont l’occasion d’une cohésion de groupe, d’un plaisir collectif partagé. Un concert final permet généralement de partager aussi ce plaisir avec un public. De plus en plus de séjours de vacances musicales sont intègre une partie de gestion de projet avec création d’un groupe de rock par exemple et un concert final. L’ensemble du processus de valorisation du projet contribue à la reconnaissance et au plaisir des stagiaires. Enfin qu’il s’agisse de stages, de MasterClass ou de séjours, diverses activités culturelles ou sportives y sont souvent proposées en parallèle. L’autonomisation des plus jeunes dans le travail musical L’âge n’est pas un critère de participation à un stage de musique. Il est vrai que l’on retrouve dans les stages des guitaristes amateurs à la retraite, de jeunes violonistes ou violoncellistes ou encore des pianistes de tout âge,…. Les stages sont souvent l’occasion de disposer de temps de travail seul entre les différents cours. Pour les plus jeunes, la limite temporelle imposée par l’audition ou le concert du dernier jour, leur fixe un objectif et les place face à leur responsabilité. La relation parentale, pas toujours simple dans l’apprentissage de la musique, est moins sollicitée, face à la nécessité de produire un résultat technique et musical. La participation à un stage de musique peut permettre à un enfant de s’approprier pleinement sa pratique instrumentale. La reconnaissance attendue des enseignants et/ou des spectateurs peut aussi devenir une importante source de motivation.
0 Professeur de musique : quel parcours suivre pour le devenir ? ...
Découvrir, explorer et partager le monde de la musique est un privilège offert aux professeurs de musique. Ils ouvrent des portes sur des univers harmoniques, favorisent la découverte de talents cachés et encouragent l'épanouissement personnel à travers l'expression artistique. Devenir professeur de musique nécessite une solide formation musicale, renforcée par des compétences pédagogiques spécifiques. Dans cet article, nous vous invitons à découvrir ce métier passionnant. Que faut-il savoir absolument ? Rôle et responsabilités dans l'enseignement musical Un professeur de musique a pour mission principale de transmettre son savoir et sa passion pour la musique à ses élèves. Pour réussir cette mission, il doit faire preuve de patience, d'empathie et de créativité. Ses responsabilités comprennent la préparation et l'animation des cours, l'évaluation des progrès des élèves, l'accompagnement dans la réalisation de projets musicaux, ou encore la gestion administrative liée à l'enseignement musical. Compétences essentielles pour enseigner la musique L'enseignement de la musique requiert un ensemble de compétences spécifiques. La maîtrise technique d'un ou plusieurs instruments est bien sûr cruciale, ainsi que la connaissance approfondie du solfège et des genres musicaux variés. Des qualités pédagogiques sont également indispensables : capacité à transmettre des connaissances, sens de l'écoute et de la communication, adaptation au rythme et au niveau de chaque élève, etc. Enfin, la passion pour la musique et l'envie de la partager sont sans doute les moteurs essentiels de cette profession. Fiche métier pour cette profession Le professeur de musique donne des cours individuels ou collectifs, à des enfants comme à des adultes, des débutants comme des musiciens confirmés. Il peut exercer en école de musique, en conservatoire, en association ou. Il peut également se spécialiser dans l'enseignement d'un instrument spécifique (piano, guitare, violon...), du chant, de l'éveil musical.. Devenir un expert en enseignement musical : les voies de formation Quel diplôme pour enseigner la musique ? En France, le Diplôme d'Etat (DE) de professeur de musique est souvent requis pour enseigner en conservatoire. Cette formation de niveau Bac +3/4 permet de se spécialiser dans un instrument, le chant, la formation musicale, ou encore la direction d'ensembles vocaux. D'autres diplômes peuvent aussi être convoités, comme le Certificat d'Aptitude (CA) pour des postes à responsabilité, ou encore le Diplôme d'Etudes Musicales (DEM) pour intervenir en milieu associatif. L'importance du Diplôme d'Etat pour enseigner la musique Le DE offre une formation complète, alliant pratique musicale intensive, culture musicale et approche pédagogique professionnalisante. Il est reconnu par l'Etat et ouvre les portes de l'enseignement public. Pour autant, il n'est pas obligatoire pour tous les types d'enseignement musical : un professeur particulier ou associatif peut très bien exercer avec un niveau d'études inférieur, à condition d'avoir de solides compétences musicales et pédagogiques. Comment devenir enseignant en musique ? La première étape pour devenir professeur de musique est généralement l'apprentissage d'un instrument ou du chant, souvent depuis le plus jeune âge. Ensuite, des études dans une école de musique, un conservatoire ou une université permettent de se perfectionner et d'obtenir un premier diplôme. Puis, une formation spécifique à l'enseignement musical (comme le DE) complète ce parcours. A noter qu'il existe aussi des parcours professionnels atypiques, notamment pour les musiciens de renom ou ceux qui ont appris sur le tas. Autres formations et qualifications utiles Au-delà des diplômes, diverses formations complémentaires peuvent être utiles pour se spécialiser, enrichir sa palette pédagogique ou simplement rester à jour : formation en musique assistée par ordinateur (MAO), neurosciences appliquées à l'éducation, gestion de projet culturel, handicap et musique, etc. Des compétences en gestion d'entreprise peuvent aussi être nécessaires pour ceux qui souhaitent ouvrir leur propre école de musique. Préparation au concours pour ce métier Les admissions aux formations diplômantes pour devenir professeur de musique se font généralement sur concours. Ces derniers sont composés d'épreuves écrites et orales, ainsi que d'épreuves musicales. Ils nécessitent une préparation rigoureuse, à la fois théorique et pratique. De nombreux conservatoires proposent des classes préparatoires intégrées. Suivre notre programme de certification Notre programme de certification est un programme complet d'étude et d'évaluation de la musique du niveau élémentaire aux niveaux avancés. Un certificat de réussite reconnu internationalement peut être obtenu à chaque niveau d'étude en terminant avec succès les exigences de ce niveau. Suivre notre programme de certification et devenir professeur dans nos établissements. En savoir plus Spécialités en tant que professeur de musique Comment devenir professeur d'éveil musical ? Enseigner l'éveil musical requiert une approche pédagogique adaptée aux plus petits. Cela passe par des formations spécifiques pour acquérir les connaissances sur le développement de l'enfant, les techniques d'animation et l'initiation à la musique. De nombreuses écoles ou associations proposent ces formations, comme l'Institut de Formation Musicale et Pédagogique (IFMP), ou encore l'Association Française d'Eveil Musical (AFEM). Enseigner le chant Pour devenir professeur de chant, il faut généralement avoir suivi des études de chant lyrique ou moderne, souvent dans un conservatoire. Un diplôme de formation musicale est également nécessaire. Par ailleurs, ce métier exige de solides compétences pédagogiques et une grande connaissance de l'appareil vocal, pour savoir guider les élèves en toute sécurité. La transmission du savoir-faire instrumental Que vous souhaitiez enseigner le piano, la guitare, le violon ou encore la flûte, l'enseignement de l'instrument est un métier passionnant mais exigeant. Au-delà de la maîtrise technique de l'instrument, une bonne connaissance des répertoires, des styles musicaux et de la pédagogie musicale est nécessaire. La patience et la capacité à s'adapter à chaque élève sont aussi des atouts précieux. Spécialisation dans différents genres musicaux De la musique classique au jazz, en passant par le rock ou la musique du monde, un professeur de musique peut se spécialiser dans le genre musical de son choix. Cette spécialisation est souvent liée à son propre parcours musical, ses préférences et sa culture musicale. Elle peut aussi répondre à la demande de certains publics ou structures d'enseignement. Informations pratiques sur cette profession CV pour l'enseignement musical Dans un CV de professeur de musique, il est important de mettre en avant son parcours musical (diplômes, concerts, enregistrements...), ses expériences d'enseignement, ses compétences pédagogiques et ses connaissances en matière de gestion administrative. Il est aussi bon d'indiquer ses spécialités et ses centres d'intérêt musicaux. Lettre de motivation pour ce métier La lettre de motivation permet de montrer votre passion pour la musique et pour l'enseignement, d'exprimer votre compréhension des enjeux de l'éducation musicale et de démontrer votre capacité à contribuer à la réussite et à l'épanouissement de vos élèves. Il faut y décrire vos expériences pertinentes et expliquer pourquoi vous souhaitez rejoindre l'établissement ou l'organisme visé. Convention collective pour les enseignants de musique En France, deux conventions collectives encadrent l'activité des professeurs de musique selon leur lieu d'exercice. Pour les enseignants en conservatoire, c'est la Convention collective nationale de l'animation (CCNA). Pour les professeurs particuliers ou indépendants, c'est la Convention collective nationale de l'enseignement artistique à titre onéreux. Salaire dans ce domaine Le salaire d'un professeur de musique varie en fonction de son statut (salarié, indépendant), de son lieu d'exercice (école de musique, conservatoire, domicile...), de son niveau de formation et de son expérience. En moyenne, un professeur de musique gagne entre 1700 et 2500 euros bruts par mois. Perspectives de carrière et défis du métier de professeur de musique Les débouchés professionnels Le champ des possibles est large pour un professeur de musique : enseignement en établissement, cours particuliers, interventions en milieu scolaire, animation musicale en structure culturelle ou d'accueil... Il peut aussi se tourner vers des fonctions d'encadrement ou de coordination pédagogique, ou encore se reconvertir dans la recherche, l'édition musicale ou le journalisme culturel, par exemple. Emploi dans l'enseignement musical Les postes de professeur de musique sont assez nombreux, mais la concurrence est également forte, surtout dans certaines disciplines comme le piano ou le chant. Les opportunités varient aussi en fonction des régions, avec une forte concentration des offres dans les zones urbaines. La tendance actuelle est aussi à la diversification des missions, avec une demande croissante pour des compétences en musique assistée par ordinateur (MAO) ou en direction d'ensembles, par exemple. Offre d'emploi pour ce métier Les offres d'emplois pour devenir professeur de musique se trouvent principalement sur les sites spécialisés dans l'emploi culturel et musical, tels que Profilculture ou Musicien-Intervenant. On peut également consulter les annonces des conservatoires, des écoles de musique ou des associations culturelles. Les défis du métier Le métier de professeur de musique comporte ses propres défis. Il exige une volonté constante d'améliorer ses méthodes pédagogiques, une capacité à s'adapter à chaque élève, ainsi que le maintien d'un haut niveau de performance musicale. Par ailleurs, la gestion des démarches administratives, l'irrégularité des horaires ou encore la précarité du statut d'indépendant font également partie des défis auxquels peuvent être confrontés les professeurs de musique. L'importance de la passion et de la créativité en enseignement musical Encourager la passion chez les élèves Rien ne remplace la passion pour susciter l'envie d'apprendre et de progresser en musique. Le professeur de musique joue un rôle essentiel pour transmettre cette passion à ses élèves, par son enthousiasme, sa bienveillance, son écoute et sa capacité à valoriser chaque réussite, petite ou grande. Stimuler la créativité musicale La créativité est un aspect fondamental de la pratique musicale, qu'il s'agisse d'improvisation, de composition ou d'interprétation. Le professeur de musique doit donc encourager ses élèves à prendre des initiatives, à expérimenter, à développer leur sensibilité et leur originalité. Il doit leur donner des outils pour qu'ils puissent exprimer pleinement leur personnalité musicale. Le rôle des enseignants de musique dans la culture populaire Le personnage de Yael Hassan : livres Un personnage très connu de professeur de musique dans la littérature jeunesse française est celui du roman "Yael Hassan". Cet ouvrage met en scène un professeur de violon qui a un fort impact sur la vie de ses élèves, grâce à sa passion pour la musique et à sa bienveillance. La représentation cinématographique de ce métier : films Au cinéma, l'image du professeur de musique est souvent associée à des films comme "Whiplash" ou "Le Concert". Ces œuvres montrent la dimension à la fois inspirante et exigeante de ce métier, où l'excellence artistique et l'épanouissement personnel sont intimement liés. Barbie et l'enseignement de la musique Dans l'univers de Barbie aussi, la musique occupe une place de choix. Ainsi, en 2020, Mattel a sorti une poupée Barbie professeur de musique, avec sa salle de classe et ses accessoires musicaux. Un beau symbole pour montrer aux petites filles que le métier de professeur de musique leur est pleinement accessible ! Responsabilités dans un conservatoire Dans un conservatoire, un professeur de musique assure bien entendu des cours d'instrument ou de formation musicale, mais il a aussi souvent en charge l'animation d'un ensemble (chœur, orchestre junior, atelier de musique contemporaine...) où les élèves peuvent mettre en pratique ce qu'ils apprennent. Il contribue aussi à l'évaluation des élèves et participe aux projets pédagogiques et culturels du conservatoire. Comment encourager la passion et la créativité chez les élèves ? Renforcer la passion musicale des élèves requiert une pédagogie positive, basée sur l'écoute, la valorisation et la motivation. Le professeur doit savoir éveiller leur curiosité, leur donner envie de découvrir de nouvelles œuvres ou de nouveaux genres musicaux, les impliquer dans des projets collectifs... Il peut également leur proposer des activités créatives (improvisation, composition, arrangement...) pour stimuler leur imagination musicale. Où chercher des annonces de professeur de musique pour faire un cadeau ? Oui, vous n'y aviez peut-être pas pensé mais pourquoi pas offrir des cours de musique, Les occasions ne manquent pas pour offrir un cours de musique ! C'est une idée originale qui fera son effet. De notre côté, nous nous couperons en quatre pour que ce moment soit apprécié à sa juste valeur. Devenir professeur de musique est une voie exigeante, qui requiert une solide formation et beaucoup de passion. Mais c'est aussi un métier extraordinairement gratifiant, qui permet de partager son amour de la musique et de contribuer à l'épanouissement de ses élèves. Devenir Professeur de musique dans nos établissements Suivre notre programme de certification Notre programme de certification est un programme complet d'étude et d'évaluation de la musique du niveau élémentaire aux niveaux avancés. Un certificat de réussite peut être obtenu à chaque niveau d'étude en terminant avec succès les exigences de ce niveau. Suivre notre programme de certification, et pourquoi pas, devenir professeur dans nos établissements... En savoir plus
0 Comment commencer dans la musique ? Suivez le guide ...
Si vous êtes sur ce site, il est fort probable que vous adoriez la musique et envisagiez de vous lancer. Si tel est le cas, vous êtes au bon endroit, d'une part pour trouver de super professeurs et d'autre part pour bénéficier de quelques conseils avant de vous lancer dans l'aventure musicale et d'en faire éventuellement votre métier ! C'est parti ! Quel âge pour commencer la musique ? Il n’y a pas d’âge précis pour commencer dans la musique, car cela dépend de chaque individu et de ses objectifs, mais voici des pistes pour chaque tranche d’âge : 1. Petite enfance (dès 3-4 ans) C’est un âge idéal pour initier un enfant à la musique, notamment avec des activités ludiques qui stimulent l’écoute, le rythme et la coordination. Les tout-petits peuvent apprendre des instruments simples comme le xylophone, des percussions ou chanter des comptines. À cet âge, l’important est de développer l'oreille musicale et d’éveiller la curiosité. Exemple d'instruments : Petits instruments à percussions (tambourin, maracas) Piano jouet ou claviers simples Violon pour les tout-petits (taille adaptée) 2. Enfance (6-10 ans) Entre 6 et 10 ans, les enfants sont plus aptes à se concentrer et à suivre des cours de musique structurés. C’est un excellent moment pour commencer un apprentissage plus formel d’un instrument. Le piano, la guitare, le violon, la batterie ou la flûte sont souvent des instruments de départ populaires. À cet âge, l’enfant peut commencer à apprendre le solfège et à jouer de petites pièces. Exemple d’instruments : Piano ou clavier Guitare (taille junior) Violon (taille adaptée) Batterie ou percussions 3. Adolescence (11-18 ans) Les adolescents peuvent commencer ou approfondir leur apprentissage musical. Ils sont capables de choisir un instrument en fonction de leurs goûts musicaux et de s’engager dans un travail régulier. C’est aussi à cet âge qu’ils peuvent développer leur propre style et éventuellement composer ou jouer dans des groupes. Beaucoup de jeunes découvrent aussi la production musicale grâce à des logiciels et à la MAO (musique assistée par ordinateur). Exemple d’instruments : Guitare électrique ou basse Synthétiseur Instruments à vent (saxophone, trompette) Apprentissage de la composition musicale 4. Adulte (18 ans et plus) Il n’y a pas d’âge limite pour commencer la musique ! Que vous ayez 20, 30 ou 60 ans, il est toujours possible d’apprendre un instrument. En tant qu’adulte, vous avez souvent plus de patience et de discipline pour pratiquer régulièrement. Vous pouvez choisir un instrument qui vous plaît vraiment et vous fixer des objectifs personnels (jouer pour le plaisir, rejoindre un groupe, ou composer vos propres morceaux). Avantages d'apprendre adulte : En tant qu'adulte, vous avez souvent une meilleure compréhension des concepts abstraits comme le rythme et l'harmonie. Vous pouvez aussi profiter des nombreuses ressources en ligne, des cours particuliers, ou même des applications pour débuter à votre propre rythme. Exemple d’instruments : Piano, guitare, batterie (instruments courants pour débutants adultes) Instruments à vent ou à cordes (selon votre préférence musicale) 5. Âge avancé (seniors) Il n’est jamais trop tard pour commencer un instrument, même après la retraite ! Apprendre la musique peut même être bénéfique pour le cerveau, améliorer la mémoire, et offrir un loisir créatif. Beaucoup de seniors choisissent des instruments comme le piano ou la guitare, mais tout dépend de ce qui vous attire. En résumé : Enfants : Commencer tôt est excellent pour développer des compétences fondamentales en musique.Adolescents : C’est une période clé pour explorer des genres, développer un style et s’impliquer dans des projets musicaux.Adultes : Il est toujours possible de commencer et de s’améliorer avec la persévérance et la passion.Seniors : Apprendre un instrument peut être une source de plaisir et de stimulation cognitive. Quel que soit l'âge, la musique reste une belle aventure à découvrir à tout moment de la vie. Toutefois, si vous vous demandez comment commencer dans la musique, continuez la lecture de cet article ! Comment commencer à jouer d'un instrument de musique ? Savoir comment commencer dans la musique implique déjà d'y mettre un pied en apprenant en général à jouer d'un instrument. Mais lequel choisir et comment faire ? Choisir l'instrument qui vous correspond le mieux Comment commencer dans la musique avec un instrument qu'on n'aime pas ? Impossible ! Le premier pas est souvent le plus excitant : choisir l'instrument. Que ce soit la guitare, le piano, le violon ou même le saxophone, l'instrument doit vous "parler". Pour cela, posez-vous quelques questions : Quel genre de musique vous attire ? Avez-vous une préférence pour les instruments à corde, à vent, ou à percussion ? Il est aussi bon de prendre en compte des aspects pratiques comme le coût de l'instrument et l’espace qu’il nécessite. Le piano, par exemple, demande de l’espace et un budget plus élevé, alors qu’une guitare acoustique est souvent plus abordable et facile à transporter. Débuter l'apprentissage de l'instrument Une fois l'instrument choisi, il est temps de se lancer dans l'apprentissage. Il existe plusieurs méthodes : cours en ligne, tutoriels vidéo, professeurs particuliers ou écoles de musique. Choisissez celle qui correspond à votre emploi du temps, vos finances et votre style d'apprentissage. Les cours en ligne, comme ceux sur YouTube ou via des plateformes payantes, permettent de progresser à son rythme, tandis qu'un professeur peut offrir un apprentissage plus personnalisé et efficace. Mettre toutes les chances de votre côté Comment commencer dans la musique en mettant toutes les chances de votre côté ? La clé pour progresser rapidement est la régularité. Fixez-vous un objectif raisonnable, par exemple 15 à 30 minutes de pratique quotidienne. Créez un environnement propice à la concentration et évitez de sauter des jours de pratique. La motivation est cruciale, donc n'hésitez pas à jouer des morceaux que vous aimez dès que possible, même si ce sont des versions simplifiées. Pensez aussi à vous entourer de musiciens débutants ou plus avancés pour échanger des conseils et rester motivé. Pour vraiment mettre toutes les chances de votre côté, n'hésitez pas à nous contacter pour prendre des cours de musique avec nos supers professeurs ! L’importance de la patience et de la persévérance Comment commencer dans la musique sans ces deux qualités ? Impossible. Apprendre un instrument prend du temps. Il est normal de rencontrer des moments de découragement, mais c'est justement là que vous devez persévérer. Focalisez-vous sur les petites victoires : le jour où vous avez réussi à jouer votre premier morceau complet ou la première fois que vous avez joué sans regarder les notes. Cela booste la motivation et rend l’apprentissage plus agréable. --- Comment commencer et se lancer dans le monde professionnel de la musique ? Se faire connaître Aujourd’hui, grâce à Internet, il est plus facile que jamais de se faire connaître, mais cela demande stratégie et créativité. Utilisez les réseaux sociaux (Instagram, YouTube, TikTok) pour partager vos créations. Postez régulièrement du contenu, que ce soit des reprises, des compositions originales ou des sessions en direct. Plus vous serez visible, plus vous aurez de chances d'attirer l'attention d'une audience. Participer à des concours de musique en ligne ou sur scène est aussi un excellent moyen de gagner en visibilité. Par quels biais ? L'autoproduction est une voie privilégiée par de nombreux artistes émergents aujourd'hui. Cela signifie produire soi-même ses morceaux, les publier sur des plateformes comme Spotify, Apple Music ou Bandcamp. En parallèle, il est essentiel de créer une identité artistique forte : logo, site internet, et surtout un style musical reconnaissable. Vous pouvez aussi envisager de collaborer avec d'autres musiciens, producteurs ou ingénieurs du son pour enrichir votre travail et toucher de nouveaux publics. Rédiger vos propres textes Écrire des textes authentiques est une compétence clé pour un artiste qui souhaite se démarquer. Pour cela, commencez par vous inspirer de vos expériences personnelles, des émotions que vous ressentez ou des histoires qui vous touchent. L’écriture peut être difficile au début, mais ne cherchez pas la perfection. Parfois, les meilleurs textes viennent d’un moment spontané. N’ayez pas peur de retravailler vos paroles, de demander des avis extérieurs ou de collaborer avec des auteurs-compositeurs. Comment débuter une chanson ? Commencer une chanson peut sembler intimidant, surtout si c’est votre première tentative. Cependant, comme toute forme d’art, c’est un processus qui peut être appris et affiné avec le temps. Voici plusieurs étapes et astuces pour vous aider à bien démarrer : 1. Trouvez l’inspiration Avant même de poser des mots ou des notes, il est essentiel de puiser l’inspiration. Vous pouvez la trouver partout : dans votre propre expérience, dans vos émotions, dans une histoire que vous avez entendue, ou même dans une simple conversation. Posez-vous des questions : Qu’est-ce que je ressens en ce moment ? Qu’est-ce que j’aimerais exprimer à travers ma chanson ? Quelle ambiance ou quel message je veux transmettre ? L’inspiration peut aussi venir d’un morceau de musique qui vous touche particulièrement. Écouter d’autres artistes peut déclencher des idées de mélodies, de thèmes ou de rythmes. Pour plus de conseils pour vous aider à trouver l'inspiration, rendez-vous sur notre article dédié.. 2.Choisissez un thème ou une idée centrale Une chanson doit avoir une idée directrice, un fil conducteur. Cela peut être une émotion (la joie, la tristesse, l’espoir), une situation (une rupture, un coup de foudre), ou même une image ou une métaphore forte. Prenez le temps de bien définir le thème central avant de commencer à écrire, car cela guidera l'ensemble du processus créatif. 3. Choisir la structure pour la chanson La structure est le squelette de votre chanson. C’est la manière dont vous organisez vos différentes parties (paroles et musique). 4. Écrire les paroles Les paroles d’une chanson sont cruciales pour transmettre un message, une histoire ou une émotion. Pour bien commencer : Laissez venir les idées naturellement. Utilisez des images et des métaphores.Rimes et rythme : Les rimes ne sont pas obligatoires, mais elles rendent souvent une chanson plus mémorable. Le schéma de rimes le plus courant est ABAB (la première ligne rime avec la troisième, et la deuxième avec la quatrième). Exemple de rimes : Ligne 1 : Je cherche un écho dans la nuit (A) Ligne 2 : Les étoiles ne me répondent pas (B) Ligne 3 : J’avance sans but, sans un bruit (A) Ligne 4 : Le silence m’enveloppe tout bas (B) 5. Créer une mélodie La mélodie est ce qui rend votre chanson reconnaissable et accrocheuse. C’est l’ensemble des notes que vous allez chanter ou jouer. Jouez avec des accords simples : Si vous jouez d’un instrument, commencez par une progression d’accords basique. Les accords simples comme C-G-Am-F (do, sol, la mineur, fa) fonctionnent très bien pour une chanson pop, par exemple. Rendez-vous sur notre article dédié pour trouver des conseils sur comment composer une mélodie ! 6. Associer rythme et paroles Les paroles doivent s’accorder naturellement avec le rythme musical. Le rythme de la chanson (rapide, lent, syncopé, etc.) doit renforcer l’émotion que vous voulez exprimer. Pour que cela fonctionne bien : Répétez vos paroles sur le rythme.Évitez les paroles trop longues : Essayez de ne pas surcharger vos lignes avec trop de syllabes, surtout dans le refrain, pour qu’elles soient plus faciles à chanter et à mémoriser. 7. Affinez et ajustez Une fois que vous avez une version initiale de votre chanson, il est important de prendre du recul et de l’affiner. Voici quelques conseils pour cette étape : Écoutez-la plusieurs fois : Prenez le temps d’écouter et de jouer votre chanson encore et encore. Cela vous permettra de repérer les sections qui fonctionnent bien et celles qui doivent être retravaillées.Simplifiez si nécessaire.Demandez des avis extérieurs : Partagez votre chanson avec des amis ou des musiciens pour avoir des retours. Parfois, une autre oreille peut repérer des choses que vous avez manquées. 8. Ajoutez des arrangements Une fois satisfait de la structure, des paroles et de la mélodie, vous pouvez enrichir votre chanson avec des arrangements musicaux : Harmonies vocales : Ajouter des harmonies à certaines sections (comme le refrain) peut donner plus de profondeur et d’émotion à votre chanson.Instruments supplémentaires : Selon le style de votre chanson, vous pouvez ajouter d’autres instruments (batterie, basse, claviers, etc.) pour donner plus de dynamisme et de richesse sonore.Ajoutez des effets sonores. Les qualités indispensables pour faire carrière dans la musique La persévérance C'est une qualité essentielle. Le monde de la musique est exigeant et compétitif. Vous devez vous préparer à recevoir des critiques et des refus, mais aussi à saisir les opportunités qui se présentent. La créativité Une autre qualité clé. Pour vous démarquer, il est crucial d’apporter quelque chose de nouveau ou de personnel à votre musique. L'organisation et la discipline Elles sont indispensables, que ce soit pour gérer vos réseaux sociaux, vos dates de concert ou les aspects juridiques de votre carrière. Comment percer rapidement et durer dans le monde de la musique ? Percer dans la musique demande non seulement du talent, mais aussi une vraie stratégie. Établissez des connexions avec des professionnels du milieu : producteurs, managers, directeurs artistiques, etc. Participer à des festivals ou des événements musicaux peut aussi vous donner une visibilité précieuse. Pour durer, il faut savoir évoluer avec son temps. Les goûts musicaux changent, les outils de promotion aussi. Continuez à apprendre, à explorer de nouveaux styles et à perfectionner vos compétences. Rester authentique tout en étant ouvert au changement est sans doute la clé du succès à long terme. Mais avant le succès, apprenez avec nos profs ! Avec ces quelques pistes, vous êtes prêt à faire vos premiers pas, que ce soit dans l'apprentissage d’un instrument ou dans votre future carrière musicale. Souvenez-vous que tout grand artiste a commencé quelque part, et que la clé du succès, c’est de rester passionné et persévérant dans vos efforts.
0 Faut-il vraiment apprendre le solfège pour faire de la musique ? ...
Le solfège fait peur à beaucoup de musiciens débutants. Trop technique, trop théorique, trop… scolaire ? Et pourtant, c’est une véritable clé pour mieux comprendre, jouer et partager la musique. Doit-on absolument l’apprendre pour progresser ? Peut-on s’en passer sans rester bloqué ? Dans cet article, on démêle le vrai du faux, et on vous montre comment le solfège peut devenir un allié, sans vous gâcher le plaisir de jouer. Pourquoi le solfège fait (encore) peur ? Le mot « solfège » déclenche souvent un petit soupir, voire une grimace. Pour beaucoup, il évoque les souvenirs d’une salle de classe silencieuse, de partitions hermétiques remplies de croches et de clés mystérieuses, ou encore de longues dictées musicales à déchiffrer… Bref, une image austère et intimidante dont on s’éloignerait volontiers ! Cette appréhension est en réalité très fréquente. Elle vient souvent d’une première approche inadaptée, notamment à l’école ou en conservatoire, où le solfège était présenté de manière rigide, théorique, et parfois déconnectée de la pratique musicale. On a trop souvent dissocié "apprendre à lire la musique" du plaisir de jouer. Résultat : le solfège devient un obstacle, un passage obligé, plutôt qu’un outil utile et motivant. On entend aussi beaucoup d’idées reçues : « C’est trop compliqué. »« C’est réservé aux pros ou aux musiciens classiques. »« On peut très bien jouer sans. » Toutes ces affirmations contiennent une part de vérité… mais elles ne reflètent pas toute la réalité. En fait, le solfège est une langue, et comme toute langue, il peut s’apprendre de façon progressive, ludique et adaptée à chacun. Il ne s’agit pas de réciter des règles par cœur, mais de comprendre ce que l’on joue, de communiquer plus facilement avec d’autres musiciens, et de gagner en autonomie. Lorsqu’il est bien enseigné, avec des exemples concrets, des écoutes, de la pratique, il devient vite un précieux allié. Dans les Ecoles Privées de Musique, on peut vous proposer une approche vivante et personnalisée du solfège. Pas de cours rébarbatifs : les notions sont introduites au fil des morceaux, directement reliées à ce que vous aimez jouer ou chanter. On remet du sens, du plaisir et de l’humain dans l’apprentissage. Et ça change tout. Le solfège, qu’est-ce que c’est vraiment ? Le solfège, aussi appelé théorie musicale, c’est l’alphabet de la musique. Autrement dit, c’est ce qui permet de lire, écrire et comprendre les sons, un peu comme l’orthographe et la grammaire nous aident à lire et écrire une langue. Mais contrairement à ce que l’on croit souvent, le solfège n’est pas un but en soi. C’est un outil. Un support. Un tremplin pour mieux s’exprimer musicalement. Concrètement, le solfège vous apprend à : Lire les notes sur une portée (Do, Ré, Mi, etc.), Comprendre les rythmes (blanche, noire, croche…), Reconnaître les silences, les nuances, les accents, Décoder les tonalités et les armatures, Et surtout : interpréter une partition avec cohérence. Mais ce n’est pas tout. Le solfège aide aussi à mieux écouter. En développant votre oreille musicale, vous repérez plus facilement les intervalles, les accords, les gammes… Cela vous aide à rejouer une chanson, à improviser ou à composer vos propres morceaux. Bonne nouvelle : vous n’avez pas besoin de tout apprendre. Il n’est pas obligatoire de maîtriser toutes les subtilités harmoniques pour progresser dans votre style préféré. Que vous fassiez du jazz, du rock, de la variété ou de la musique baroque, vous pouvez cibler les notions utiles pour votre pratique. Par exemple : Un chanteur aura intérêt à bien maîtriser la lecture rythmique et les intervalles, Un guitariste pourra se concentrer sur les gammes, les accords et les signatures rythmiques, Un pianiste bénéficiera d’une lecture fluide sur deux clés (sol et fa). Le solfège n’est pas réservé aux musiciens « classiques » ou aux conservatoires. Il s’adapte à tous les genres, à tous les âges, et surtout à votre manière d’apprendre. Chez nous, les professeurs adaptent le contenu de leurs cours à vos envies, à votre niveau et à vos objectifs. On apprend le solfège en jouant, en chantant, en vivant la musique, et non dans un manuel sec et distant. Résultat : on progresse plus vite, avec plaisir… et sans douleur. Peut-on faire de la musique sans solfège ? La réponse est oui : on peut faire de la musique sans jamais avoir appris le solfège. Et beaucoup de musiciens le prouvent chaque jour. Certains grands noms comme Jimi Hendrix ou Paul McCartney ont appris à jouer « à l’oreille », sans passer par la lecture de partitions traditionnelles. Aujourd’hui encore, de nombreux autodidactes apprennent en regardant des vidéos, en reproduisant des sons ou en suivant des tutoriels. Les méthodes alternatives sont nombreuses : Les tablatures pour guitare, basse ou ukulélé permettent de jouer sans connaître le nom des notes. L’apprentissage auditif, qui consiste à reproduire ce que l’on entend, est courant chez les musiciens de tradition orale (jazz, musique du monde…). Les applications et logiciels de musique (comme GarageBand, Ableton ou Yousician) permettent de créer ou d’accompagner sans jamais lire une seule portée. Certains styles, comme l’électro ou le rap, misent davantage sur la création sonore, les rythmes et les textes que sur la théorie musicale classique. Mais alors, pourquoi apprendre le solfège ? Parce que le solfège donne des clés pour aller plus loin. Il ne remplace pas la créativité ou l’oreille, mais il les soutient. Savoir lire une partition, comprendre une grille d’accords ou reconnaître un rythme complexe, c’est : Pouvoir jouer avec d’autres musiciens facilement, Être autonome pour déchiffrer une partition ou un chant, Gagner en précision et en compréhension musicale, Et surtout : pouvoir exprimer exactement ce que l’on veut. En réalité, c’est un peu comme apprendre une langue étrangère : on peut tout à fait se faire comprendre avec quelques mots, mais maîtriser la grammaire et le vocabulaire ouvre des portes vers plus de nuances et de subtilité. Le solfège n’est donc pas une obligation, mais c’est un véritable accélérateur de progrès. Et avec nous, il devient accessible à tous, quel que soit votre niveau ou votre âge. Dans quels cas le solfège devient vraiment utile ? Même si l’on peut jouer sans connaître le solfège, certaines situations rendent sa maîtrise très précieuse, voire carrément indispensable. En voici quelques-unes : Jouer en groupe ou en orchestreLorsque plusieurs musiciens jouent ensemble, un langage commun est nécessaire. Le solfège permet de lire la même partition, de suivre la même structure, et de se repérer facilement dans une œuvre. Savoir lire la musique, c’est pouvoir communiquer efficacement et gagner du temps en répétition. Lire des partitionsLire une partition, c’est comme lire une recette quand on cuisine : cela permet de découvrir un morceau, de le rejouer seul ou en groupe, et de comprendre les intentions du compositeur. Plus besoin d’attendre que quelqu’un vous montre les notes, vous devenez autonome. Composer et écrire ses morceauxSi vous aimez créer, le solfège est un formidable outil pour noter vos idées, structurer une chanson, harmoniser une mélodie. Il vous aide à poser vos créations sur papier ou logiciel, pour pouvoir les partager, les faire évoluer ou les rejouer plus tard. Comprendre l’harmonie, les accords, les gammesPourquoi tel accord sonne « joyeux » et tel autre plus « triste » ? Pourquoi certaines mélodies nous accrochent l’oreille ? Grâce au solfège, on comprend la logique derrière les enchaînements d’accords, les gammes et les modulations. Et une fois qu’on comprend, on joue avec beaucoup plus de liberté. Passer un examen ou intégrer un conservatoireDans les écoles de musique ou les conservatoires, le solfège fait souvent partie du cursus. Il est demandé pour valider des niveaux ou pour entrer dans une formation diplômante. Si votre objectif est académique ou professionnel, le solfège devient incontournable. Faciliter la communication entre musiciensDire « joue un Fa majeur », « reprends à la mesure 12 » ou « on module en Si bémol » est plus rapide et clair que d’essayer d’expliquer « tu sais, là, la partie où ça fait pam-pam-pam… ». Le solfège devient alors un langage universel entre musiciens de tous horizons. Bref, le solfège est un outil de liberté musicale. Il n'est pas une barrière, mais une passerelle. Et bonne nouvelle : il peut s’apprendre de façon progressive, vivante et personnalisée… surtout avec un professeur de nos Ecoles Privées de Musique à vos côtés. Comment apprendre le solfège sans s’ennuyer ? Ah, le solfège… rien que le mot fait encore peur à beaucoup. On imagine des pages pleines de notes et de règles à apprendre par cœur, des dictées musicales interminables, et l’ennui qui s’installe dès les premières minutes. Mais oubliez ces souvenirs scolaires austères : aujourd’hui, apprendre le solfège peut devenir une vraie partie de plaisir. Des méthodes modernes et ludiquesExit les vieux manuels poussiéreux ! De nombreuses ressources rendent désormais l’apprentissage du solfège interactif et agréable. Il existe des applications comme "Tenuto", "Complete Music Reading Trainer" ou "EarMaster", qui permettent d’apprendre à lire les notes, à reconnaître les intervalles ou à travailler le rythme… tout en jouant. Des vidéos claires et pédagogiquesYouTube regorge aussi de contenus de qualité pour apprendre à votre rythme, avec des explications visuelles et accessibles. Des chaînes comme MusicTheoryForGuitar, Pianote ou Hugo LIP transforment la théorie en véritables mini-cours dynamiques. Apprendre en pratiquant, c’est la clé !Le meilleur moyen de ne pas s’ennuyer, c’est de lier directement théorie et pratique. Apprendre le solfège en parallèle de son instrument, que ce soit la guitare, le piano, le chant ou le violon, permet de donner du sens à ce qu’on étudie. On comprend à quoi sert une ronde ou une tonalité… et surtout, on l'entend et on la ressent. Être bien accompagné, ça change toutUn bon prof fait toute la différence. Quelqu’un qui adapte ses explications à votre niveau, qui vous donne des exemples concrets, et qui sait vous encourager quand ça bloque. Dans nos Ecoles Privées de Musique, les cours de solfège sont pensés pour ça : l’apprentissage est progressif, bienveillant, vivant, et toujours relié à ce que vous aimez jouer ou chanter. En somme, le solfège peut être une aventure stimulante et agréable, à condition de choisir les bons outils et les bonnes personnes pour vous guider. Et si vous commenciez avec ce qui vous passionne vraiment, votre voix, votre guitare, votre piano pour découvrir le plaisir de mieux comprendre la musique ? Avec nous, le solfège devient un vrai atout On vous l’accorde : apprendre le solfège tout seul, ce n’est pas toujours simple… ni très motivant. Mais avec nous, la donne change complètement. Ici, le solfège n’est pas une corvée théorique : c’est un outil vivant, utile et adapté à votre musique. Un apprentissage sur mesurePas de programme rigide ou de niveau imposé : les cours sont entièrement personnalisés. Vous débutez ? Votre professeur prend le temps d’expliquer les bases avec des exemples concrets. Vous jouez déjà depuis un moment mais souhaitez mieux comprendre l’harmonie ou la lecture rythmique ? Il ou elle adaptera les séances à vos besoins. Que vous soyez chanteur, pianiste, violoniste ou guitariste, le solfège est toujours en lien avec ce que vous aimez jouer. Comprendre pour mieux jouerC’est souvent en comprenant ce qu’on joue qu’on prend vraiment confiance en soi. Et c’est là que le solfège devient un vrai atout : il clarifie, il structure, il donne du sens. Grâce cours de nos Ecoles Privées de Musique vous découvrez comment une partition fonctionne, comment repérer les accords, comment lire une rythmique… et vous devenez plus autonome dans votre pratique. Un vrai moteur de plaisirEt surtout : vous progressez sans vous ennuyer. Finies les leçons abstraites déconnectées de la réalité. Ici, vous apprenez à lire une clé de sol en chantant votre morceau préféré, à comprendre les intervalles en jouant du piano, à reconnaître un rythme en tapant des mains. Le solfège devient un compagnon de route, pas une barrière. Des professeurs bienveillantsLes enseignants des Ecoles Privées de Musique Musique sont à la fois pédagogues, passionnés et attentifs à votre progression. En cours, dans votre environnement familier, vous avancez à votre rythme, sans pression. C’est la clé pour rester motivé et prendre du plaisir, semaine après semaine. En bref, avec nous, le solfège devient un vrai levier de progrès – un outil simple, clair et motivant pour mieux comprendre la musique… et surtout mieux l’aimer. Conclusion : Solfège ou pas solfège ? Pas besoin de devenir un as de la lecture pour faire de la musique. Mais un peu de solfège, bien intégré et bien expliqué, peut vraiment changer votre rapport à l’instrument. Il vous donne des clés, de la liberté, et un vrai confort de jeu. Vous voulez tester ? Inscrivez-vous à un cours d'initiation !
0 Comment intégrer les musiques urbaines dans l’apprentissage musical ? ...
Les musiques urbaines comme le rap, l’électro ou l’afrobeat sont partout : dans les playlists des ados, sur TikTok, dans les transports… Mais à l’heure du cours de piano ou de guitare, elles disparaissent souvent au profit de répertoires plus classiques. Et si ces styles devenaient au contraire un levier formidable pour apprendre la musique autrement ?Dans cet article, découvrez comment intégrer les musiques urbaines dans l’enseignement musical pour stimuler la motivation, développer l’écoute rythmique et encourager la créativité — sans renoncer aux fondamentaux. Pourquoi intégrer ces musiques dans la pédagogie ? Les musiques urbaines, qu’il s’agisse de rap, de trap, d’électro, de R&B contemporain ou d’afrobeat, sont aujourd’hui omniprésentes dans l’univers sonore des jeunes. Ce sont les genres les plus écoutés sur les plateformes de streaming, les plus repris sur TikTok, et les plus présents dans les playlists "tendance" de Spotify ou YouTube. Pourtant, dès qu’on entre dans une salle de cours de piano, de guitare ou de chant, ces styles disparaissent souvent… au profit de morceaux plus anciens, de standards classiques ou de chansons pop qui ne parlent pas forcément aux élèves. Il ne s’agit pas de nier la valeur de ce répertoire, mais de constater un décalage : la musique apprise n’est pas toujours celle qui est vécue au quotidien. Et c’est là que le potentiel pédagogique des musiques urbaines prend tout son sens. Ces styles sont contemporains, vivants, ancrés dans la culture actuelle. Ils permettent aux élèves (enfants, ados ou jeunes adultes), de se sentir connectés à ce qu’ils apprennent. Au-delà de l’aspect affectif, les musiques urbaines sont aussi d’excellents supports pédagogiques : Elles reposent souvent sur des structures simples, parfaites pour les débutants. Elles mettent l’accent sur le rythme, le groove, la répétition : des bases essentielles en musique. Elles offrent une grande liberté d’interprétation et d’adaptation, ce qui stimule la créativité. Enfin, ces styles ouvrent la porte à des pratiques nouvelles : composition personnelle, initiation à la MAO, travail de l’improvisation… Autant d’aspects qui enrichissent l’expérience musicale et développent la confiance. En bref : intégrer les musiques urbaines en cours, ce n’est pas "suivre une mode", c’est répondre à une réalité d’écoute, et proposer une pédagogie plus engageante, inclusive et actuelle. Les bienfaits pédagogiques des musiques urbaines Intégrer les musiques urbaines dans un parcours d’apprentissage musical, c’est bien plus qu’un simple clin d'œil à la culture contemporaine : c’est une porte d’entrée pédagogique puissante et inclusive, qui s’adapte aux besoins des élèves d’aujourd’hui. Ces styles offrent une variété d’outils concrets pour développer des compétences musicales fondamentales, tout en maintenant un haut niveau de motivation. Une motivation immédiate et durable Le premier avantage, et non des moindres, est la motivation. Lorsqu’un élève travaille sur un morceau qu’il écoute déjà chez lui, l’implication est instantanée. Cela change tout : l’élève pratique plus souvent, avec plus d’enthousiasme, et se sent valorisé. Le plaisir de la musique prend le dessus sur l’effort technique. Un apprentissage rythmique naturel Les musiques urbaines sont basées sur des structures rythmiques puissantes : Le flow du rap, Les syncopes du R&B, Les boucles grooves de l’afrobeat, Les drops et pulsations de l’électro… Tout cela constitue un terrain idéal pour travailler le sens du rythme, l’écoute active, la régularité, et le placement rythmique, des compétences fondamentales, souvent plus difficiles à aborder via des morceaux classiques. Une simplicité technique qui n’exclut pas la richesse Beaucoup de morceaux urbains sont construits sur des progressions harmoniques simples (2 à 4 accords qui tournent en boucle), accessibles aux débutants à la guitare ou au piano.Cette simplicité permet : de se concentrer sur la précision du jeu, de construire une base solide rapidement, d’oser expérimenter dès les premières leçons. Et pour les élèves plus avancés, ces bases deviennent un terrain d’exploration pour enrichir les accords, varier les rythmes, créer des variations mélodiques. Une porte ouverte sur la créativité Les musiques urbaines encouragent naturellement l’improvisation, l’écriture personnelle, la recomposition. Un élève peut : poser ses propres paroles sur un beat, créer un arrangement au piano ou à la guitare, enregistrer un couplet chanté, rappé ou parlé, s’initier à la production via la MAO (musique assistée par ordinateur). Cette dimension créative renforce la confiance, développe l’expression de soi, et permet de vivre la musique comme un langage personnel, au-delà de la seule technique. En résumé, les musiques urbaines sont bien plus que des genres tendance : ce sont des outils pédagogiques puissants, actuels, inclusifs et accessibles. Elles permettent d’enseigner la musique autrement, par le plaisir, la curiosité, l’expression et la modernité. Comment intégrer le rap, l’électro ou l’afrobeat dans un cours de musique ? Adapter l’enseignement musical aux musiques urbaines ne signifie pas tout réinventer, mais plutôt changer de regard et d’outils. Piano, guitare, chant… tous les instruments peuvent accueillir ces styles, à condition de s’appuyer sur leurs codes : répétition, rythme, groove, ambiance, et surtout liberté. Voici quelques pistes concrètes pour transformer un cours de musique en terrain de jeu urbain et créatif. À la guitare ou au piano : des instruments parfaits pour explorer les musiques actuelles Les musiques urbaines, souvent construites autour de boucles harmoniques simples, s’adaptent parfaitement à une pratique instrumentale moderne. Le piano ou la guitare deviennent alors des supports de groove, plutôt que des instruments d’interprétation figée. Boucles d’accords répétitives Dans l’afrobeat, le lo-fi, le rap ou l’électro, on retrouve fréquemment 2 à 4 accords qui tournent en boucle pendant tout le morceau. C’est idéal pour : travailler l’aisance technique, poser un rythme régulier, improviser par-dessus. Cela permet à l’élève de se sentir rapidement autonome et de jouer dès les premières semaines. Jouer avec des beats Intégrer un beat instrumental en fond (via une application ou un logiciel de MAO) aide à : développer le sens du tempo, garder une pulsation stable, jouer avec le ressenti du rythme, plutôt qu’en comptant mécaniquement. Exemples d’applications faciles à utiliser : BandLab, Soundtrap, Loopify, Groovepad. Travailler l’improvisation et le ressenti Une fois la boucle installée, on peut : varier les rythmes main droite / main gauche, improviser une mélodie par-dessus, accompagner un camarade qui chante ou rappe. En chant ou en rap : une nouvelle façon d’explorer la voix Le travail vocal peut lui aussi tirer grand parti des musiques urbaines. Le chant, mais aussi le parlé rythmé, deviennent des outils pour développer l’oreille, l’expression, la respiration et la créativité. Travailler la prosodie et le flow Le flow (rythme et débit des paroles) est l’équivalent du phrasé mélodique. On peut l’utiliser pour : améliorer la diction, explorer les dynamiques, varier l’intensité vocale. Certains élèves en difficulté sur le chant osent davantage prendre la parole en rythme, ce qui ouvre de nouvelles portes pédagogiques. Encourager l’écriture personnelle L’apprentissage du chant peut être complété par des exercices d’écriture : couplets rimés, refrains chantés, textes slamés ou parlés sur une instru. Cela renforce la confiance en soi et stimule la créativité personnelle. Mixer voix chantée et voix parlée De nombreux morceaux actuels mêlent naturellement les deux (Louane, Orelsan, Grand Corps Malade, Angèle…). C’est l’occasion parfaite d’explorer différentes textures vocales sans se limiter à "chanter juste". Bonus : explorer le slam, le beatbox, ou l’usage d’effets vocaux (auto-tune, réverbération, vocoder) pour que l’élève s’amuse avec sa voix tout en travaillant le rythme, l’oreille et la respiration. En intégrant progressivement ces approches dans les cours, on transforme l’apprentissage musical en un espace vivant, connecté à la culture actuelle, et centré sur l’envie de jouer et de s’exprimer. Rap ou pop ? Que préfèrent les jeunes aujourd’hui ? Lorsqu’on pense aux goûts musicaux des jeunes, on imagine souvent la pop comme style dominant. Et c’est vrai : la pop reste omniprésente, portée par des artistes incontournables comme Billie Eilish, Olivia Rodrigo, The Weeknd ou Dua Lipa. Mais la réalité est aujourd’hui plus complexe, plus fluide, plus hybride. Les statistiques de plateformes comme Spotify, YouTube, Apple Music ou TikTok révèlent une évolution marquée des tendances chez les 13–30 ans : Le rap et le hip-hop sont désormais les genres les plus écoutés. En France, 8 des 10 artistes les plus streamés sont issus de la scène rap (Ninho, SCH, Gazo…). Ce style domine aussi les ventes d’albums et les classements de streaming depuis plusieurs années. L’électro, la trap et le lo-fi séduisent une génération attirée par les ambiances, les textures sonores et les beats relaxants. Ces styles sont omniprésents dans les playlists “concentration”, “étude”, “gaming” ou “chill”. L’afrobeat, le reggaeton et le dancehall connaissent un succès international fulgurant, notamment grâce à des artistes comme Rema, Burna Boy, Tyla ou Bad Bunny. Ils représentent des sons joyeux, dansants, connectés à des cultures riches et dynamiques. Une musique de plus en plus fusionnelle Un autre aspect essentiel de cette évolution, c’est que les frontières entre les genres s’effacent. De nombreux artistes mélangent pop, rap, électro et afrobeat au sein d’un même morceau. Ce phénomène reflète une génération ouverte, créative, connectée qui ne se reconnaît plus dans les cases traditionnelles. Exemples : “Blinding Lights” de The Weeknd : un hit pop… sur une structure très proche de l’électro. “Calm Down” de Rema : afrobeat teinté de R&B et de pop. “Tout va bien” de Orelsan : un rap narratif avec une mélodie pop. Ce que cela implique pour l’apprentissage musical Dans ce contexte, continuer à proposer uniquement des morceaux de variété française des années 80 ou des extraits de musique classique ne suffit plus. Les élèves ne s’y reconnaissent pas, et peuvent perdre l’envie d’apprendre. Pour capter leur attention, il faut proposer une pédagogie ancrée dans leurs réalités culturelles. Cela ne veut pas dire abandonner les fondamentaux : On peut travailler la rythmique sur un beat trap plutôt que sur une marche militaire. On peut apprendre les accords de base avec un tube de pop urbaine, plutôt qu’un standard anglo-saxon éloigné de leurs habitudes. L’idée n’est pas d’enseigner “à la mode”, mais d’enseigner avec du sens. C’est en partant de ce que l’élève connaît et aime qu’on l’amène vers de nouvelles compétences, de nouveaux répertoires, et plus de plaisir à jouer. Utiliser la MAO pour créer en cours de musique Pendant longtemps, apprendre la musique signifiait d’abord maîtriser un instrument, lire des partitions et reproduire fidèlement des morceaux écrits par d’autres. Aujourd’hui, la Musique Assistée par Ordinateur (MAO) bouleverse cette approche en rendant possible la création musicale immédiate, intuitive, et accessible… même sans solfège. Grâce à des outils simples et gratuits, il est désormais possible d’enseigner la musique à travers la composition, l’arrangement et l’exploration sonore, dès les premières séances. Créer un beat comme point de départ Des applications comme GarageBand (iOS), BandLab (Android/iOS/web), Soundtrap (web) permettent de créer des beats en quelques clics : Choix d’un style (trap, lo-fi, électro, afrobeat…), Sélection d’une boîte à rythmes ou d’un kit de percussions, Pose d’un beat de base que l’on peut modifier et enrichir au fil des séances. C’est une excellente manière d’initier un élève à la structure rythmique, tout en stimulant sa créativité. Résultat : même un enfant sans aucune connaissance musicale peut créer une base rythmique motivante en quelques minutes… et commencer à jouer dessus ! Poser une voix ou un instrument sur une loop Une fois le beat créé, il devient une boucle de travail vivante sur laquelle on peut : Improviser à la guitare ou au piano, Poser une ligne de chant, Rapper un texte écrit en classe, Travailler l’intonation, la respiration, le phrasé. Cela permet de relier composition et interprétation, et de faire le lien entre pratique instrumentale et expression personnelle. C’est aussi un excellent outil pour les élèves qui sont plus à l’aise à l’oral qu’à l’écrit (ou inversement). Découvrir le sampling, les effets et les textures sonores La MAO est également une fabrique sonore : elle permet aux élèves d’explorer ce que l’on appelle la matière musicale, c’est-à-dire : Modifier un son avec un filtre, une reverb ou un delay, Coller un sample vocal tiré d’un autre morceau, Transformer leur voix avec un vocoder ou de l’autotune, Ajouter des effets d’ambiance pour créer une identité sonore unique. Ces outils, très utilisés dans les musiques urbaines, permettent de travailler l’oreille, l’esthétique musicale et la créativité, sans pression technique. Comprendre la structure d’un morceau Composer avec la MAO donne aussi l’occasion d’apprendre à structurer un morceau : Intro : mise en ambiance, création du suspense, Couplet : progression narrative ou mélodique, Refrain : moment fort, répétitif, identifiable, Bridge, drop, outro : variantes, ruptures, conclusion. Les élèves peuvent ainsi apprendre en créant : ils comprennent naturellement les mécaniques d’un morceau… parce qu’ils en ont construit un eux-mêmes. Une création possible sans matériel professionnel Pas besoin de studio, de micro coûteux ni de clavier MIDI pour se lancer : Un smartphone ou un ordinateur, Une application intuitive, Des écouteurs, Et l’envie d’expérimenter. La MAO devient alors un outil pédagogique complet, ludique, moderne et valorisant, à la fois pour les élèves et pour les enseignants. En intégrant la MAO dans les cours, on fait passer la musique de la reproduction à la création, du cadre scolaire à l’univers personnel de l’élève. C’est une façon puissante de déclencher des vocations, de libérer l’expression, et de rendre l’apprentissage plus vivant, plus libre et plus aligné avec les codes de la musique d’aujourd’hui. Ressources pour apprendre la musique avec les musiques urbaines Conseils pratiques Demandez à l’élève ce qu’il écoute et travaillez à partir de là. Encouragez la création personnelle, même sur des bases simples. Misez sur des playlists pédagogiques et l’écoute active. Morceaux simples à travailler (débutants) Rap / pop urbaine / variété actuelle “Feu” – Nekfeu (boucle piano, tempo lent, très accessible) “Ne reviens pas” – Gradur feat. Heuss L’Enfoiré (beat entraînant, boucle d’accords) “Tout va bien” – Orelsan feat. Stromae (rythme parlé + refrain mélodique) “Location” – Damso (morceau lent, parfait pour travailler le groove voix/guitare) “Angela” – Hatik (arpèges guitare simples + texte très parlé) Pop électro / ambient “Faded” – Alan Walker (arpèges simples au piano, ambiance électro facile à reproduire) “Shivers” – Ed Sheeran (accords ouverts, groove pop avec nuances) “Stay” – The Kid LAROI & Justin Bieber (boucle simple + tempo entraînant) “Good 4 U” – Olivia Rodrigo (rock/pop rapide, bonne base d’accords ouverts) “Sunflower” – Post Malone & Swae Lee (mélodie chantée très accessible) Afrobeat / musiques dansantes “Calm Down” – Rema (rythme répétitif, accords simples en boucle) “Love Nwantiti” – CKay (guitare en fingerpicking très facile) “Peru” – Fireboy DML & Ed Sheeran (tempo lent, très bon pour le travail du rythme) “People” – Libianca (mélodie émotionnelle + structure vocale accessible) “Jerusalema” – Master KG (rythmique répétitive parfaite pour guitare ou MAO) Lo-fi / chill / électro minimaliste “Weightless” – Marconi Union (sons ambiants + structure simple à recréer en MAO) “Cold Little Heart” – Michael Kiwanuka (introduction piano, atmosphère planante) “Dancing in the Moonlight” – Toploader (pop rétro facile à accompagner) “Paris” – The Chainsmokers (piano pop-électro en accords ouverts) “Night Trouble” – Petit Biscuit (morceau instrumental électro idéal pour s’initier à la MAO) Et si l’avenir de l’enseignement musical passait par les musiques urbaines ? Intégrer le rap, l’électro ou l’afrobeat dans les cours, c’est réconcilier pédagogie et plaisir, tradition et modernité. Ces styles ne remplacent pas les bases : ils les rendent vivantes, actuelles, motivantes. En partant de ce que les élèves écoutent, on leur donne l’envie d’apprendre, de créer, de s’exprimer. Et si c’était ça, l’essentiel d’un bon cours de musique ? Pourquoi ne pas essayer dès aujourd’hui ?
