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0 Déchiffrer les symboles d'une partition de violon ! ...
S’il est possible d’apprendre le violon sans solfège, il faut en connaître les principaux rudiments pour parvenir à déchiffrer la partition. Au-delà des notes à jouer, le compositeur y inscrit des symboles déterminant la vitesse, mais aussi la manière de les interpréter (fort, doux…). La pratique du violon doit également apporter d’autres précisions au musicien, relatives au déplacement de l’archet.Les symboles de base du violon La portée et la cléCommune à tous les instruments, la portée est le nom donné aux 5 lignes parallèles et horizontales présentes sur la partition. La clé, quant à elle, renvoie au signe placé à son extrémité gauche. S’il existe différentes clés en musique, seule la clé de sol est utilisée au violon !Les notesLes cordes à vide produisent les notes SOL, RE, LA et MI, en allant de la corde la plus épaisse à la plus fine. Comme le jeu du violon implique l’usage des doigts, ces derniers sont matérialisés par des chiffres: le 1 renvoie à l’index, le 2 au majeur, le 3 à l’annulaire et le 4 à l’auriculaire. Concrètement, sur la partition d’un violoniste débutant, on trouve souvent la note avec un chiffre : lorsque ce dernier est le 0, cela signifie simplement qu’elle se joue sans le recours des doigts.Par exemple, pour faire la gamme de ré, vous jouez la corde à vide avec l’archet, puis vous placez votre index sur la 2e corde pour obtenir votre MI ; puis, avec le majeur, vous obtiendrez un FA dièse, avec l’annulaire, un SOL et avec l’auriculaire, un LA. Ensuite, vous n’aurez qu’à passer à la corde suivante (la 3e est le LA) pour continuer la gamme. Sur la partition, vous aurez un 0-ré, 1-mi, 2-#fa, 3-sol et 4-la. À noter qu’entre le 4-la et la 3e corde à vide, vous devrez obtenir le même son… Le dièse, le bémol et le bécarreEn musique, les altérations consistent à changer les distances sonores entre deux notes. Normalement, elle est d’un ton, à l’exception de la distance entre le mi et le fa et entre le si et le do, qui n’est que d’un demi-ton.En solfège, le dièse, dont le symbole est #, élève la note devant laquelle il est posé d’un demi-ton. Au contraire, le bémol, dont le symbole est b minuscule en italique, l’abaisse d’un demi-ton.À noter que ces altérations peuvent être posées à côté de la clé de sol, afin qu’elles s’appliquent à toutes les notes de la partition, quelle que soit sa hauteur. Enfin, le bécarre est un signe, placé dans une note, qui remet une note dans son état naturel. Il ressemble à un « b » minuscule et un « q » minuscule imbriqués (voir l’exemple ci-dessous). Dans cet exemple, le FA, quelle que soit sa hauteur, sera altéré (effet du dièse en début de portée) : le premier FA de la partition sera donc joué en #FA, mais comme le signe bécarre est placé sur le second FA, il sera joué normalement. La durée de la noteLa partition d’un débutant au violon peut également formaliser un point à côté d’une note pour influencer sa durée naturelle, à l’instar des altérations sur le son naturel de la note.Par exemple, une ronde pointée (à savoir une ronde avec un point à son niveau sur la droite) doit durer le temps d’une ronde classique et de la moitié d’une ronde. Autrement dit, la durée d’une ronde pointée est identique à celle d’une ronde et d’une blanche. Dans le même esprit, une noire pointée correspond à une noire et une croche, soit une noire et la moitié d’une noire. Au-delà des informations relatives au positionnement des doigts sur la touche, la partition de violon indique également les mouvements de l’archet à réaliser, à travers de nombreux symboles.Les violonistes débutants doivent déjà repérer ces 4 signes fondamentaux :Un signe V placé au-dessus d'une note indique que l'archet doit se déplacer de haut en bas.Un symbole représentant un petit rectangle noir avec 2 traits verticaux à ses extrémités indique quant à lui, un déplacement du bas vers le haut.Un signe "supérieur à" placé sous une note, indique qu'il faudra l'accentuer en la jouant plus forte que les autres.Une "apostrophe" au-dessus d'une note indique au musicien de lever son archet avant de le replacer à son point de départ.La mention de ces initiales donne des informations sur la partie de l’archet à solliciter sur les notes ou groupes de notes en question :WB, pour « wholebow » ou « archet entier » en françaisLH, pour « lowerhalf of the bow » ou « moitié inférieure de l'archet » en françaisUH, pour « upperhalf of the bow » ou « moitié supérieure de l'archet » en françaisMB, pour « middle of the bow » ou « centre de l'archet » en françaisLes informations de styles Les effets sur la noteUne partition pour violon peut également mentionner des effets de styles, à travers ces symboles, directement placés sous la (ou les) note(s) concernée(s) :PIZZ, renvoie au terme « Pizzicato » qui consiste à jouer la note en la pinçant légèrement avec les doigts.VIBR, renvoie au fameux "vibrato du violon" qui fait un effet de vibration sur la note produite. Ce mouvement s'effectue avec les doigts de la main gauche en balançant très rapidement le doigt concerné sur la corde de gauche à droite et de droite à gauche.Les nuancesLa partition peut apporter également des nuances avec les termes suivants, allant du plus faible au plus fort : pianississimo (ppp), pianissimo (pp), piano (p), mezzo piano (mp), mezzo forte (mf) , forte (f), fortissimo (ff), fortississimo (fff).Le tempoLa partition peut aussi donner des informations sur le tempo souhaité, en utilisant des termes italiens, comme « Lento » pour lentement ou « Allegro » pour rapidement. Par ailleurs, au début du morceau, il est souvent indiqué la valeur de la noire : par exemple, une noire = 80, cela renvoie à un rythme général de 80 pulsations par minute, la noire en valant une.Exprimé en pulsations par minute, il est d’usage de se référer à ce rythme[1] :Largo : 40 à 60 pulsations par minuteLento : 52 à 68Adagio : 60 à 80Andante : 76 à 100Moderato : 88 à 112Allegretto : 100 à 128Allegro : 112 à 160Vivace : 120 à 140Presto : 140 à 200Prestissimo : 140 à 200 Le point sous la noteSi le point à côté d’une note est présent pour influencer sa durée naturelle (vu plus haut), le point qui se situe au-dessus ou au-dessous de la note, l’écourte de moitié et y introduit un effet de silence sur l’autre moitié…Par exemple, N’hésitez pas à demander de l’aide à votre professeur de violon pour compléter votre apprentissage de la partition : en musicien accompli, il saura vous indiquer comment interpréter ces différents symboles, voire les prioriser si votre pratique ne vous permet pas encore de tous les appliquer.
0 Comment mieux chanter en articulant bien ? ...
Assimilable à la prononciation, l’articulation consiste à prononcer distinctement les différents sons d’une langue par le biais de mouvements réalisés avec les lèvres et la langue. Mais, dans le monde musical, ce n’est pas uniquement le but recherché ! Au-delà de la compréhension des paroles, le fait d’articuler pour un chanteur lui permet d’ajouter précision, justesse et puissance à son interprétation. L’articulation est une technique de chant !Au-delà de la simple prononciation des mots, l’articulation permet au chanteur d’améliorer notablement sa technique de chant. Par exemple, les consommes influencent le rythme, tandis que les voyelles jouent sur la résonance des lettres.Mais cette technique influence également l’accès aux notes – qu’elles soient graves ou aiguës, la justesse, les vibratos, sans oublier la projection (l’envoi du son) et la puissance.Pour vous aider à réaliser l’importance de l’articulation en chant, il suffit de procéder à ce test :Étape 1 : chanter votre titre préféré en limitant les mouvements des lèvres et des mâchoiresÉtape 2 : rechanter ce titre en mettant l’accent sur l’articulation.Le résultat ? Un apport certain – que ce soit en netteté ou en précision – lorsque vous comparez la première version avec la seconde.Quelques exercices pour travailler son articulationCes exercices pratiques servent à travailler l’articulation, mais nécessitent – au préalable, un échauffement des muscles qui seront sollicités – à savoir, les lèvres, les joues, le cou, la tête. Placez-vous devant un miroir et débutez par quelques grimaces, avant d’enchaîner avec des petits massages sur chaque zone. Exercice 1 : le chuchotement Choisissez une chanson que vous aimez et que vous connaissez par cœurChantez son premier couplet et refrain en chuchotant : les sons perceptibles ne devront être que ceux de votre souffle et de l’articulation de votre boucheProgressivement, augmentez le chuchotement jusqu’à atteindre le volume sonore de la voix normaleMémorisez alors vos manières d’articulerRe-chantez à nouveau en remplaçant progressivement le chuchotement par votre voix jusqu’à atteindre le volume normal. Exercice 2 : le stylo dans la bouche Si l’exercice du stylo dans la bouche est un classique de la diction, il peut s’effectuer sans. D’ailleurs, en serrant simplement les dents, il est possible de construire des exercices progressifs. Attention, il s’agit d’un travail de musculation qui peut entraîner des courbatures dans les premiers temps. Étape 1Serrez les dents pour que les incisives se touchentPrononcez chaque voyelle distinctementUne fois la prononciation acquise, augmentez le volume de la voix jusqu’à crier Étape 2Serrez les dents que les incisives et les molaires se touchent (à défaut, uniquement les molaires)Prononcez chaque voyelle distinctementUne fois la prononciation acquise, augmentez le volume de la voix jusqu’à crier Exercice 3 : Les phrases alambiquéesLes phrases à embûches peuvent évidemment constituer d’excellents exercices pour la diction et la prononciation. Leurs difficultés vous obligeant à optimiser votre articulation. « Je veux et j’exige d’exquises excuses »« Panier, piano, panier, piano… »« Je suis passé chez Sosh »« La jolie rose jaune de Josette jaunit dans le jardin. »« Un chasseur sachant chasser sait chasser sans son chien de chasse. »« Qui sont ces six sages Suisses ? »« Suis-je bien chez ce cher Serge ? »« Un généreux déjeuner générerait des généraux dégénérés. »« Lulu lit la lettre lue à Lili et Lola alla à Lille où Lala lie le lilas. »« Didon dîna dit-on du dos dodu de dix dodus dindons. »
0 Comment composer quand on est chanteur ? ...
Lorsque l’on prend des cours de chant, l’envie de créer et d’interpréter ses propres chansons se fait généralement rapidement ressentir ! Or, lorsque l’on ne sait jouer d’aucun instrument de musique, composer une mélodie peut vite sembler compliqué. Et pourtant, il existe plusieurs solutions accessibles à tous pour enfin laisser parler sa créativité et composer ses chansons de toutes pièces, de l’écriture, aux notes de musique en passant par la partie rythmique ! Découvrez dans cet article comment réussir toutes vos compositions sans être un grand instrumentiste pour autant ! Composer grâce à la théorie musicaleLorsque l’on apprend à chanter, même si l’on n’a jamais appris à jouer d’aucun instrument de musique comme le piano, la guitare ou encore le violon, on a généralement acquis une certaine connaissance de la théorie musicale. Lecture de notes et notions rythmiques font partie intégrante de l’apprentissage du chant et sont même presque indispensables à partir d’un certain niveau. Grâce à leurs connaissances, les chanteurs possèdent généralement le sens de l’harmonie, c’est-à-dire, savoir quels accords et arpèges vont sonner justes et être agréables à l’oreille et lesquels vont au contraire être dissonants. Grâce au sens de l’harmonie, composer même sans instrument de musique devient tout de suite plus facile !Pour ceux qui n’ont que peu de connaissances en solfège, pas de panique ! Il vous suffit de prendre un peu de temps pour apprendre quelques éléments de base, qui, avec un peu d’entrainement, deviendront très vite des automatismes. Si vous avez très peu de connaissances théoriques, privilégiez en premier lieu l’apprentissage des intervalles consonants et dissonants : les intervalles consonants sont ceux qui vous permettront de former des accords ou des arpèges mélodieux. Il s’agit de l’octave, la sixte majeure et mineure, la quinte juste, la quarte juste et la tierce majeure et mineure. Il vous faudra ensuite acquérir certaines bases dans :La théorie des accords (2 accords principaux de base, accords parfaits majeurs et mineurs)Les accords du mode majeurLes accords du mode mineurCertaines règles de l’harmonieCela n’a rien de bien compliqué et la plupart des chanteurs ou musiciens ont déjà acquis certaines notions sans même en avoir conscience. Composer avec sa voixOn dit généralement que les chanteurs ne jouent pas d’instrument de musique, or cela n’est pas tout à fait exact. Ils disposent tous d’un instrument de musique unique et remarquable, leur voix. Alors pour quelle raison ne pourraient-ils pas s’en servir pour composer, de la même manière qu’un guitariste utilise sa guitare ? Aucune raison ! Pour ce faire, il est conseillé de se mettre dans un endroit calme, muni d’un microphone, d’un papier et d’un crayon. Fermez ensuite les yeux et laissez faire votre imagination. Faites plusieurs tentatives en chantant la mélodie imaginée, en essayant à chaque fois d’améliorer la précédente. N’essayez pas de composer une mélodie d’un trait, mais commencez par quelques notes, concentrez-vous sur la couleur que vous souhaitez lui donner, s’il s’agit d’un air triste ou plutôt entraînant, puis progressivement travaillez les couplets, les refrains, le pont, etc. S’enregistrer est important, car cela vous permettra de ne pas oublier ce que vous venez de créer et d’apporter des modifications plus subtiles. Si vous savez le faire, retranscrivez ensuite les notes sur le papier. Pour composer plus facilement, l’idéal est de commencer par écrire les paroles de la chanson. Essayez ensuite d’imaginer une rythmique. Une fois que vous disposez de ces éléments, la composition sera plus fluide. S’aider d’un instrument de musiqueComposer grâce à un clavier (piano ou synthétiseur) ou avec une guitare est possible même sans être un grand virtuose. De nombreux chanteurs possèdent des bases dans ces deux instruments, ce qui leur permet de réaliser de nombreuses compositions. L’idée est de pouvoir jouer la trame, la mélodie du morceau avec quelques accords. Bien sûr il est ensuite possible de « peaufiner » sa composition en rajoutant des notes, des instruments, des nuances, etc. Pour composer sur un clavier, ou sur une guitare, il vous suffit de savoir transposer les notes et les accords sur chacun des deux instruments. Si vous souhaitez vous familiariser davantage avec ces instruments, vous pouvez prendre quelques cours afin d’être parfaitement à l’aise avec la composition.Composer sans solfège : l’utilisation du tonnetzComposer en ayant au moins des bases en solfège reste l’idéal, en revanche, pour ceux qui n'en possèdent pas ou ceux qui souhaitent enrichir leur manière de composer, il existe une méthode alternative, le tonnetz. Le tonnetz, qu’est-ce que c’est ? En bref, il s’agit d’une représentation graphique mettant en évidence toutes les liaisons harmoniques entre les notes. C’est en quelque sorte un schéma illustrant le cycle des quintes en 3D. Le tonnetz rend visible toutes les combinaisons de notes tonales et harmoniques. Le cycle des quintes est représenté en bleu, celui des tierces majeures en rouge et celui des tierces mineures en vert. Une fois que l’on a compris son fonctionnement, composer devient un jeu d’enfant ! Quelques explications sur le fonctionnement du tonnetz en vidéo : https://www.youtube.com/watch?v=tiPBbgGnypEUtiliser des logiciels de M.A.OEnfin, aujourd’hui la technologie se met au service des petits compositeurs en herbes. De nombreux logiciels de musique assistée par ordinateur existent offrant de très nombreuses possibilités, comme la création de mélodies, le mixage de sons, l’intégration de notes pour chaque piste d’instrument. Selon vos besoins, vous trouverez des logiciels de composition musicale proposant une large bibliothèque de sons intégrés, et prenants charge les fichiers au format MIDI auxquels vous pourrez connecter vos instruments de musique électronique. C’est le cas de logiciels comme MuseScore, Hydrogen ou encore Tuxguitare.
0 Chant lyrique, est-ce à la portée de tous ? ...
Le chant lyrique est dans l’inconscient collectif le synonyme d’Opéra, de grands chanteurs et même, de stars internationales telles que Nathalie Dessay ou bien encore Andréa Bocelli. Mais alors, le chant peut-il être pratiqué par n’importe qui ? Comment devient-on chanteur classique et surtout, est-ce facile ? Le chant lyrique, un domaine musical bien particulierLe chant lyrique est une technique de chant qui s’associe selon son étymologie et son histoire aux chanteurs qui étaient accompagnés d’une lyre. Au fil des siècles, le chant lyrique s’est opposé à la musique plus moderne ou traditionnelle. L’adjectif lyrique s’est alors vu caractériser tout ce qui touche au monde de l’Opéra ou de la tragédie. Le chant lyrique a alors su conquérir le cœur des Français avec la mise en avant d’artistes aux voix incroyables, de Pavarotti à bien plus récemment, Vincent Niclo. Mais il ne suffit pas d’avoir du coffre et de savoir faire vibrer sa voix pour chanter des morceaux lyriques. Les Français connaissent bien souvent le nom de certains opéras, ils en fredonnent même quelques airs, mais ils sont bien peu nombreux à avoir eu l’envie ou la chance d’assister à une pièce complète. Le chant lyrique, même s’il fait parfois des sursauts dans notre musique populaire reste un domaine musical de référence, qui comporte de nombreuses particularités. Se lancer à la conquête du monde du chant lyriqueLe chant lyrique est un monde qu’il convient de connaître avant de se lancer. C’est bien souvent en écoutant des morceaux lyriques que l’on est touché par la chaleur, la vérité ou encore la puissance des chants. Le chant lyrique est alors véritablement l’exploration de la voix, dans sa force mais aussi et surtout sa technique. Si vous vous pensez que le chant lyrique peut être un passe-temps amusant et peu régulier, c’est que vous n’avez aucune idée du travail qu’il requiert. Il ne peut pas s’apprendre sans cours et sans exercices réguliers. Un vibrato et une voix bien ajustée ne suffiront malheureusement pas à vous offrir la carrière de La Callas. Commencez dès à présent à vous imprégner de ce monde musical : découvrez, écoutez, chantez, répétez, savourez… Pour vous exercer, choisissez des chants lyriques dans des langues que vous maîtrisez. Se concentrer sur la justesse et la technique vocale sont deux choses déjà bien complexes, pas besoin d’y ajouter de l’équilibrisme linguistique ! Se faire accompagner pour apprendre le chant lyriqueLe point positif c’est que l’apprentissage du lyrique est à la portée de tous. Comme nous vous l’expliquions dans un autre article, chanter juste s’apprend. La voix est connue pour être l’instrument qui offre le plus grand éventail de possibilités. Vos seules limites sont alors la hauteur et l’étendue de votre voix qui, même si elles sont travaillées ne pourront jamais être totalement changées. Si vous avez une voix grave, vous ne deviendrez pas un grand ténor ! Votre corpulence elle aussi peut jouer, mais nous avons déjà vu de petits brins de femme avoir une puissance et un coffre impressionnants, telle Maria Callas par exemple. C’est alors avec votre professeur de chant que vous pourrez caractériser votre voix et définir ensemble le travail à accomplir pour l’assouplir, la renforcer et la travailler…Prendre du plaisir à chanterLe chant lyrique fait chaque année des milliers de nouveaux adeptes. Il est un monde de couleur, de puissance et de dépassement de soi. Parce qu’il n’est jamais facile de s’entendre chanter, ni de reconnaître les progrès ou les changements effectifs, n’hésitez pas à vous enregistrer très souvent et à vous entraîner devant votre famille et vos amis !
0 5 idées reçues qui dissuadent d'apprendre le piano ...
Vous avez toujours voulu apprendre le piano mais vous vous êtes découragé à chaque fois ? Vous êtes persuadé que vous n’arriverez jamais à jouer des deux mains ensemble ? Vous pensez qu’apprendre à lire la musique est long et fastidieux ? Détrompez-vous, tout le monde peut apprendre le piano en s’en donnant les moyens ! Pour les plus petits, comme pour les plus grands, il faut dépasser ces fausses croyances sur l’apprentissage de cet instrument. Voici les 5 idées reçues qui dissuadent de se lancer au piano ! Il faut du talent ! C’est probablement la pire idée reçue de toutes ! Cette notion de talent, cette croyance qui veut vous faire croire que vous soyez né avec la capacité de faire une chose bien ou pas, que ce soit inscrit dans vos gènes. Cela est particulièrement présent en musique. Pourtant, personne ne s’est réveillé virtuose un beau matin ! Derrière ce qu’on appelle le « talent », il y a surtout beaucoup de travail et d’entrainement ! Le piano demande de la pratique et des efforts au quotidien pour être maîtrisé. Si une aptitude naturelle peut aider dans son apprentissage, rien ne remplacera jamais des exercices réguliers. Il faut savoir lire la musique !Une autre idée reçue très commune à propos de la musique et qui stoppe beaucoup de pianistes débutants c’est la croyance que nous devons absolument apprendre à lire les partitions de tous les morceaux que l’on veut jouer. C’est tout simplement faux ! Si on compare la musique au langage, on s’aperçoit que pour apprendre une nouvelle langue, lire est la dernière chose que l’on fait. On apprendre d’abord à écouter, à parler. De la même façon, jouer la musique est plus important que de savoir la lire. Par exemple, pour apprendre un morceau populaire, vous n’avez pas besoin d’avoir la partition à portée de main. Vous pouvez essayer de retrouver la structure et les différents accords à l’oreille. En comprenant cette structure du morceau, vous apprendrez de nouvelles chansons en quelques heures seulement. En s’entraînant à jouer à l’oreille, on peut très vite jouer tout ce que l’on entend : pratique ! C’est compliqué !Vous avez déjà essayé de maîtriser un passage particulièrement difficile dans un morceau sans jamais y arriver puis finalement abandonner au bout de nombreuses tentatives ? Apprendre un nouveau morceau avec de nouveaux rythmes demande à votre cerveau d’assimiler de nouvelles informations, il a donc besoin de créer de nouvelles connexions. C’est un peu comme apprendre à jongler, on essaie avec 3 balles, on échoue au départ, puis, à force d’entraînement, on finit par y arriver à tous les coups. C’est exactement pareil avec le piano ! Il faut s’entraîner encore et encore jusqu’à ce que de nouvelles connexions se créent.Découvrez également le top 5 des excuses pour ne pas jouer au piano Je n’ai pas assez de temps ! Quand on apprend le piano, il vaut mieux de jouer 5 minutes tous les jours plutôt que de s’entraîner 1h tous les 3 jours. Alors, rognez 5 minutes sur votre petit déjeuner et vous n’aurez plus aucune excuse pour ne pas vous y mettre ! En plus, souvenez-vous du point 3 : pas besoin de déchiffrer toutes les partitions. Donc la prochaine fois que vous entendez une chanson, essayez d’appréhender la mélodie, écoutez les différents accords et les relations entre eux. N’oubliez pas l’essentiel c’est de se faire plaisir et d’être constant dans son apprentissage ! Ça va prendre des années !Et si vous pensez que ça va prendre des années pour réussir à avoir un niveau correct, détrompez-vous, un entraînement régulier est la clé pour vite progresser en musique ! Il faut trouver une source de motivation, un objectif et chaque fois qu’il est atteint s’en fixer un nouveau, et vous verrez vous progresserez à vue d’œil ! Dans le même thème : Apprendre le piano pour rester jeune / 7 astuces pour apprendre le piano plus vite à l'âge adulte
0 Sonorisation de la guitare : comment bien choisir son micro ? ...
Sans micro, pas de guitare électrique. Ce petit accessoire indispensable, présent sur la grande majorité des modèles vendus dans le commerce, apporte à l'instrument sa couleur, son registre. Il peut ainsi être changé selon les souhaits du guitariste, pour approcher au plus près le rendu sonore qu'il aimerait obtenir. Comment choisir des micros adaptés pour sa guitare ?Petite histoire du micro de guitare électriqueAvant l'électricité, les instruments devaient compter sur leur seule capacité de résonance pour se faire entendre. La guitare acoustique, bonne élève en la matière, disposait d'une portée suffisante pour régaler les oreilles d'un petit auditoire -salon, salle de repas, coin de rue. À partir des premiers systèmes de sonorisation, dont la paternité reviendrait à Émile Berliner avec son gramophone en 1877, les musiciens bénéficient peu à peu d'un volume audible supérieur, propice aux concerts de plus grande envergure. Les véritables micros dédiés aux instruments font leur apparition au début du XXème siècle. La marque Gibson s'empare du secteur en produisant la toute première guitare électrique, équipée du "Charlie Christian", un micro à simple bobinage. Vient ensuite son concurrent Fender qui ajoute un deuxième aimant au processus. Cette amélioration soulève cependant un nouveau problème : le micro capte toutes les interférences environnantes, comme l'éclairage, les écrans, les transformateurs électriques, avec à la clé un bourdonnement désagréable en sortie. C'est en 1955 qu’apparaît le humbucker, un double micro dont les aimants sont inversés, annulant ainsi l'effet indésirable. Par la suite, la technologie permet de développer des micros simples mais enrichis d'un double bobinage, qui annule le problème précédent. Comment fonctionne un micro de guitare ? Les micros, généralement au nombre de deux ou trois sur l'instrument, produisent un signal électrique transmis à l'amplificateur. Pour comprendre ce processus, il faut décomposer l'outil. Qu'est-ce-qu'un micro de guitare, au juste ? Un ou deux aimants, entourés d'une bobine de fil de cuivre, qui produisent un champ magnétique. Lors de la vibration de la corde, fabriquée dans une matière propice à la magnétisation, ce champ se trouve perturbé. Une force se crée dans la bobine et influence le signal transmis. Ainsi, plus la corde vibrera rapidement, plus le signal électrique envoyé vers l'amplificateur sera élevé. En fonction du style de musique de prédilection, chaque guitariste recherche la combinaison de micros qui lui apportera le son espéré. Bien que les chercheurs réussissent régulièrement à produire des micros d'une grande efficacité, les micros vintage ont toujours la côte pour leur grain si particulier qui peut apporter une véritable richesse au son, une identité musicale. Un professeur de cours de guitare pourra vous renseigner en détail sur les différents accessoires à utiliser en complément de votre guitare pour créer la sonorité parfaite.Les différents types de micros Comme vu précédemment, deux types de micros coexistent : le simple bobinage (single coil) et le double bobinage (humbucker), selon la qualité de la bobine qui les entoure. Les micros à simple bobinageRetranscrit bien les différentes notesSon clair, précis, claquantNiveau de sortie moins élevé, qui délivre chaque variation de volumeEfficace pour les sonorités médiums et aiguësLes micros à double bobinageRetranscription des notes plus globaleSon puissant, compacté, chaudNiveau de sortie élevé, permet la distorsionEfficace pour l'amplification des basses et des médiums Micro passif ou micro actif ?Tous les micros sont initialement passifs. Ils se contentent de retranscrire le signal électrique et de le diriger vers l'amplificateur. Certains d'entre eux cependant contiennent un petit système de pré-amplification, qui les rend actifs. Ils nécessitent une alimentation par piles. L'intérêt d'utiliser un micro actif repose sur la qualité du signal. En effet, la pré-amplification abaisse la sensibilité aux bruits parasites, et réduit également la perte du signal occasionnée par l'utilisation de longs câbles de raccord. Les systèmes de sonorisation actifs retranscrivent mieux certaines fréquences ignorées ou étouffées par le système passif. Au niveau sonore, les micros actifs contiennent généralement un aimant en céramique qui produit une attaque dynamique, coupante et puissante, particulièrement appréciée dans le rock et le métal. Les micros passifs, plutôt construits avec de l'alnico, apportent un son plus chaleureux. Pour apprendre à jouer du blues, c'est le compagnon idéal. Les micros de guitare peuvent-ils changer complètement le son d'une guitare ?Contrairement à l'idée reçue, un système de micro n'ajoute pas de son à l'origine du signal. C'est-à-dire qu'il ne peut pas créer des sonorités inexistantes. Sur une guitare de mauvaise qualité, le micro servira simplement à amplifier un signal désagréable pour les oreilles et ne pourra en rien en améliorer la qualité. En revanche, une bonne guitare équipée de micros bas de gamme ne pourra pas exprimer tout son potentiel. La combinaison idéale reste donc de jouer sur un instrument de bonne facture, qui possède du sustain de base, avec une couleur sonore intéressante, accessoirisé de micros adéquats selon le registre du guitariste.
0 Comment tenir un médiator et l'utiliser pour bien jouer ? ...
Petit triangle semi-rigide qui se perd à tout bout de champ, le médiator rend pourtant bien des services aux guitaristes en herbe comme aux plus confirmés. En plus de soulager les doigts, il apporte plus de puissance à la musique et permet un jeu rythmique élaboré et précis. L'utilisation du médiator est enseignée quasi systématiquement, car il est essentiel de prendre de bonnes habitudes en guitare dès les premiers cours. Petite histoire du médiator en guitareLe médiator, autrement appelé plectre ou encore pick par les fabricants, fait son apparition quelques milliers d'années avant notre ère. Vers 1500 av. J.-C., une chanteuse égyptienne du nom de Har-Mose s'accompagnait de ce qui semble être la première version d'une guitare ancestrale. Cet instrument doté de trois cordes reliées à un manche fit très vite fureur et se propagea jusqu'en Europe. À son cou s'accrochait un cordon au bout duquel pendait le plectre, qui servait à pincer les cordes. Impossible de le perdre, de cette façon !À partir du Moyen-Âge, le médiator est largement utilisé par les joueurs de luth, un instrument proche de la guitare dont il est parfois dit qu'il en serait le précurseur. Le plectre peut se présenter sous la forme d'un morceau de plastique, de bois, de métal, voire même d'un objet du quotidien à l'instar du guitariste de Queen qui jouait avec... une pièce de monnaie.Aujourd'hui, la majorité des grandes marques de guitare proposent des médiators personnalisés avec le portrait de stars musiciennes, des logos graphiques, ou encore des pin-up légèrement vêtues. Avec l'habitude, le guitariste développe une préférence pour un genre de plectre, allant jusqu'à en faire son accessoire fétiche. Les grandes stars de la guitare ont leurs petites manies. Les techniques de guitare avec médiatorSi vous pensez que les techniques de guitare avec et sans médiator sont les mêmes, vous avez tort... et raison. Fondamentalement, le plectre remplace les doigts et devrait se substituer à ces derniers, et inversement. Sauf que les doigts sont, en théorie, au nombre de cinq. Impossible de les remplacer par un seul accessoire. La technique utilisant exclusivement les doigts s'appelle le picking, et ne peut pas se transposer réellement avec un plectre. Il est possible de jouer avec le médiator et les autres doigts libres de la main, mais un déséquilibre se produira entre les différentes sonorités. Voici les techniques que vous pouvez utiliser si vous jouez avec un médiator.L'aller-retour au médiator (ou alternate picking)C'est la méthode la plus utilisée. Elle permet d'acquérir une précision dans le jeu tout en gardant une attaque puissante des cordes.La main repose sur le chevalet de la caisse de la guitare (à l'endroit où se rejoignent toutes les cordes). Avec le poignet, pratiquez un mouvement vers le bas en pinçant une corde, puis vers le haut sur la même corde, et ainsi de suite. Vous pouvez ensuite déplacer le médiator sur les cordes suivantes en respectant l'alternance aller/retour, ou jouer sur la même corde en produisant différentes notes grâce aux doigts de la main située sur le manche.Le jeu directionnel avec un plectreEn gardant la même position que dans la technique précédente, vous allez enchaîner les cordes dans l'ordre en attaquant par exemple par le haut sur l'aller, puis par le bas sur le retour. Ceci permet d'éviter de devoir pratiquer systématiquement des allers-retours lorsque les cordes se suivent.Jouer une rythmique au médiatorCette fois, vous devrez faire sonner plusieurs cordes en même temps afin d'obtenir des accords. Donnez un grand coup avec le médiator sur toutes les cordes de l'accord. Cette façon de jouer permet de créer une infinité de rythmiques différentes en alternant des coups vers le bas, vers le haut, en étouffant les cordes avec la main droite entre chaque coup de médiator, etc. Comment choisir son médiator ?De nombreux critères entrent en jeu si vous voulez choisir le médiator le plus adapté à votre style, à savoir :Sa taille, qui varie entre 2 et 5 cmSon épaisseur généralement quantifiée par l'adjectif Thin (0,4 mm), Medium (0,7 mm) ou Heavy (1,5 mm)Le matériau qui le compose : bois, plastique, métal pour les plus usuels, mais aussi os, écaille de reptile, corne animale, etc.La taille se définira en fonction de vos préférences et de la grandeur de vos mains. L'épaisseur est le critère primordial, car il joue à la fois sur le ressenti du musicien et sur le rendu sonore. Plus le médiator est fin, plus il glissera facilement sur les cordes et produira un son doux. En revanche, les médiators plus épais apporteront un volume sonore important, mais tiendront également mieux dans les doigts. Pour choisir un médiator dans le bon matériau, tenez compte de vos préférences. C'est aussi un conseil qui prévaut dans le choix de tous vos accessoires de guitare. Le bois offre un son plus chaleureux, tandis que le métal "claque" sur les cordes avec un son clair. Le plastique reste une valeur universelle, avec le désavantage de glisser sous l'effet de la transpiration (d'où les pertes fréquentes de ce petit ustensile...) et de se détériorer plus rapidement.Quel médiator pour une guitare classique ?Les plectres sont rarement utilisés en guitare classique, qui privilégie plutôt la fluidité des doigts et la douceur des sonorités. C'est pourtant un outil idéal pour les rythmiques ou pour apporter de la puissance en l'absence de micro. Les médiators les plus fins, de type Thin, conviennent bien à cet usage.Quel médiator pour une guitare folk ?Les médiators pour guitare folk peuvent être de taille Thin ou Medium en accompagnement, car les cordes en acier possèdent déjà une bonne résonance et risquent de couvrir la voix du chanteur. Pour des morceaux uniquement à la guitare, choisissez le modèle de plectre que vous voulez en fonction des effets souhaités.Quel médiator pour une guitare électrique ?Un solo clinquant qui allie vitesse et précision des notes ne saurait se passer d'un bon médiator Heavy. La dureté et l'épaisseur de l'accessoire rendent l'attaque plus incisive. Pour le métal ou le rock, privilégiez les médiators en inox ou laiton par exemple. Un morceau de jazz ou de blues se satisfera mieux d'un plectre en bois, surtout sur les guitares Hollow Body dont le sustain ressortira à merveille. Suivez le lien pour plus de renseignements sur la façon de jouer du blues.Comment tenir son médiator ?Droitier ou gaucher, c'est votre main dominante qui va tenir le médiator pendant le jeu, à savoir la main qui gratte les cordes. Saisissez le plectre entre votre pouce et votre index, en le maintenant solidement sans perdre de souplesse dans vos mouvements. S'il y a un creux prévu pour le pouce, placez-le à cet endroit. Sinon, vous pouvez avancer vos doigts jusqu'au milieu du médiator au maximum, de façon à ce que la partie libre puisse encore se plier.La façon de tenir le médiator dépend également de chaque musicien. Certains l’aplatissent entre leurs doigts, d'autres arrondissent le pouce et l'index en fermant le poing. Ce n'est qu'à l'usage que vous découvrirez votre propre préférence.Apprendre à utiliser un médiator n'est qu'une infime partie de la pratique instrumentale. Les techniques utilisées en guitare sont nombreuses et parfois difficiles à expérimenter seul. En s'inscrivant à nos cours de guitare, les élèves suivent des leçons adaptées à leur niveau, notions clairement expliquées, correction des postures, mais aussi entretien de la régularité et de la motivation : autant d'atouts qui les poussent à se dépasser dans leur pratique.
0 Comment apprendre à faire un accord barré à la guitare ? ...
Pour les guitaristes en herbe, une étape apparaît toujours comme un moment décisif : celle de l’apprentissage des accords barrés. Pour les réussir, une maîtrise totale de la position des mains reste indispensable, car un ensemble de cordes barré avec un index doit sonner parfaitement. Aucune inquiétude si vous commencez tout juste cet instrument, il existe quelques conseils simples pour mieux appréhender cet apprentissage, afin de progresser rapidement.L’accord barré, qu’est-ce que c’est ?On ne peut pas s’en passer lorsque l’on joue de la guitare : l’accord barré implique d’utiliser l’index pour barrer plusieurs cordes simultanément. Ce type de position se distingue de l’accord ouvert, sur lequel chaque doigt appuie sur une seule corde.Sur une tablature, ces accords redoutés des débutants se matérialisent de deux façons différentes : le même numéro de case s'affiche à plusieurs reprises et de manière successive sur un accord — tandis que sur un diagramme d’accord, on observe une barre de deux ou plusieurs points au niveau d’une même case.Au tout début, l’apprentissage de cette technique génère quelques difficultés. Pour autant, il ne faut surtout pas négliger ce moment, parce que la maîtrise des principaux barrés apparaît ensuite comme un véritable point fort. En effet, puisqu’ils sont transposables, ils peuvent facilement être utilisés sur d’autres cases du manche, augmentant ainsi le champ des possibles pour l’instrumentiste. Comment réussir son accord barré ?Les premiers accords barrés sonnent toujours faux : ne vous inquiétez pas, cela est totalement normal. Sans don inné pour la guitare, il vous faudra simplement du temps et de l’entraînement pour y parvenir. Au bout du compte, en quelques semaines seulement, vous devriez détenir toutes les clés d’un accord barré parfait.Pour commencer, ne vous focalisez pas uniquement sur la position de l’index. Bien qu’elle soit décisive, elle n’est pas la seule à impacter le résultat : votre pouce, derrière le manche, doit être placé de façon à ce qu’il forme une sorte de pince avec votre index. Avancez votre poignet vers le devant de la guitare, afin de ne pas devoir vous contorsionner. Enfin, pour davantage de précision, vous allez devoir mesurer votre force. Il en faut assez pour obtenir les sonorités souhaitées, mais pas trop non plus, au risque d’adopter un jeu crispé qui desservira la qualité de vos enchaînements.Quand commencer l’apprentissage des accords barrés ?Essentiel pour jouer correctement de la guitare, l’accord barré angoisse toujours les guitaristes se lançant pour la première fois. Mais il faut savoir que ce n’est pas la première étape, loin de là. On ne débute pas les accords barrés sans connaître et maîtriser un minimum les accords de base et tous les standards. Puisque les accords barrés engendrent logiquement plus de douleurs aux doigts que les simples, on les commence seulement quand la corne a fait son apparition.En bref, chaque musicien s’approprie la guitare à sa propre manière et à son rythme : on n’identifie pas de moment clé à partir duquel il convient de s'intéresser aux accords barrés. Toutefois, tout le monde s’accorde sur une base essentielle : on ne va pas impressionner un néophyte avec ce cours dès le début, mais plutôt le faire travailler sur des exercices plus faciles avant d’attaquer les sujets délicats.Plus tard, on abordera le barré quand l’élève aura déjà une certaine dextérité avec son instrument, une aisance et une maîtrise à la fois technique (pose des doigts, position) et théorique (lecture des tablatures).Tous les guitaristes craignent le barré, mais tous s’accordent sur son importance et sur la fierté ressentie au moment où l’on y parvient enfin. Inutile d’angoisser : chacun finit par le réussir, avec un peu de patience et beaucoup de volonté.
0 « Jouer du Piano debout », est-ce vraiment possible ? ...
« Il jouait du piano debout, c’est peut-être un détail pour vous mais pour moi ça veut dire beaucoup… » quelques jours seulement après le décès de France Gall, cette chanson résonne en nous. Et si l’on se posait réellement la question de « jouer du piano debout », est-ce réalisable et surtout, est-ce une bonne pratique ? Jouer du piano debout, pourquoi ?« Folie », « liberté », « fierté », le fait de jouer du piano debout dans cette chanson de France Gall est tout un symbole. Depuis des décennies, les musiciens aiment défrayer la chronique en jouant de leur instrument d’une manière inappropriée ou particulièrement singulière. C’est un signe d’unicité mais aussi très souvent une position prise en rapport avec la société qui nous entoure. Cela peut-être aussi une manière visionnaire de considérer son instrument et la musique. C’est ainsi que Jimmy Hendrix jouait sur une guitare de droitier mais montait ses cordes à l’envers, ou qu’à la fin de l’année 2017, le violoniste lituanien Tadas Maksimovas était reçu sur tous les plateaux de télévision parce qu’il ne joue pas avec un archet mais avec… ses longs cheveux ! Instrument classique par excellence, le piano répond à certaines règles de bienséance depuis près de 5 siècles. Le simple fait de jouer du piano debout est déjà une pratique novatrice, presque provocatrice, mais surtout une affirmation d’un style différent : « Simplement sur ses deux pieds, il voulait être lui vous comprenez ». Et concrètement, jouer du piano debout, cela change quoi ?Oublions le côté visuel et scénique pour nous pencher d’un peu plus près sur le côté pratique de la chose. Jouer tout en étant debout, d’un instrument calibré pour être manipulé assis n’est pas si simple qu’il n’y paraît. Jouer correctement du piano droit debout est par exemple presque impossible ou tout du moins, assez désagréable pour le pianiste. La rotation forcée des poignets peut gêner les mouvements du musicien et donc nuire à la fluidité de son jeu. La position debout peut en revanche à certains moments apporter plus de forces au pianiste : c’est ainsi que Jerry Lee Lewis, à qui Michel Berger souhaitait rendre hommage avec cette chanson, aimait terminer ses morceaux.En revanche, lorsque l’on joue sur un synthétiseur ou un piano numérique, le jeu debout est tout à fait possible, même s’il nécessite quelques ajustements. La solution la plus confortable pour le pianiste est de bien régler la hauteur du clavier, grâce à un pied ajustable par exemple. Un siège dit « debout » peut également être bien apprécié lors de prestations longues ou même de répétitions. Jouer du piano debout… mais seulement de temps en temps !L’idéal pour la pratique du piano est tout de même de respecter à la fois la physiologie de l’instrumentiste mais aussi le mode de jeu pour lequel l’instrument a été prévu. Il est important que le pianiste adopte dès ses premières leçons une posture juste et droite, non pas par rigueur mais simplement par confort. Le fauteuil du pianiste doit être réglé en hauteur, de façon à ce que les coudes du pianiste se trouvent au niveau du clavier. C’est cet angle à 90° qui offre au musicien la plus grande aisance mais aussi la meilleure amplitude musicale. Bien assis, le claviériste sera aussi plus à même de jouer avec les pédales de modulation du son.Si vous souhaitez tout de même vous essayer au « piano debout », pensez à bien stabiliser votre clavier et à ajuster sa hauteur. Un pianiste confortablement installé sera toujours un meilleur pianiste.
0 Les différents types d’effets du violon électrique ...
Après avoir choisi de jouer sur un violon électrique, vous souhaitez connaître les différents effets que vous pouvez utiliser sur votre instrument. Certains servant à calibrer le son, d’autres à transformer sa tonalité, à saturer le son, ou encore à le rendre plus « vivant ». Ensuite, chaque effet pourra se cumuler pour former des chaînes complètes d’effets.Calibrer le sonCes effets sont destinés à contrôler les écarts de niveau sonore entre chaque son produit : à travers eux, vous pouvez agir sur la fréquence et les courbes du signal entrant :Le compresseur abaisse les sons forts, tout en augmentant les sons bas.Le limiteur empêche tout dépassement au-delà du niveau défini préalablement.Le tremolo fait varier soudainement et rapidement le volume sonore, agissant sur sa vitesse et son amplitudeLa pédale de volume gère le volume du signalTransformer la tonalitéAvec ces effets, vous pouvez jouer sur les fréquences du signal entrant, en vue de transformer leur tonalité, voire recréer les sons d’un instrument différent, comme un synthétiseur avec un harmoniseur :La Wah-Wah filtre les basses ou les hautes fréquences pour étouffer les graves ou les aigus, en fonction de la pression exercée sur la pédale d'expression.L'égaliseur découpe les fréquences pour en limiter, diminuer ou en augmenter des parties.L'octaver modifie la note d'une octave, d'une tierce ou d'une autre intervalle, en prenant celui du dessus ou du dessous.Le chorus, comme son nom l'indique, donne un effet de chœur en dupliquant le son, comme s'il provenait de plusieurs violons électriques.L'harmoniseur ajoute une ou deux notes, sur la base de celle jouée.Le modulateur de phase provoque un effet de vagues en créant une série de hauts et de bas autour de la fréquence jouée, modulée sur un temps varié. Saturer le signal sonoreTrès prisés en guitare électrique, ces effets sont nés de réglages trop puissants. On distingue aujourd’hui :L’overdrive, légère saturation utilisée dans le blues.La distorsion, saturation plus agressive, présente dans le métalLe fuzz provoque volontairement des bruits parasites, des bourdonnements et des sifflements avec le son.Concrètement, ces effets sont créés en jouant sur le volume (puissance du signal), le gain (niveau de saturation) et la tonalité (graves, médiums, aigus), mais il faut savoir que le fuzz est une saturation difficile à produire sur un violon électrique, sans risquer d’amplifier, au passage, les bruits de l’archet.Rendre le son « vivant »Au-delà de tous ces effets qui agissent sur la fréquence elle-même, il est également possible d’influencer le signal dans la durée, en créant des retardements :Le delay est un décalage temporel du son, lui conférant un effet d’écho, ajoutant de la matière et du rythme au signal de départLe réverbe crée un effet de réverbération du son dans l’espace, qu’il s’agisse d’une grande église ou d’une petite pièce, donnant au son initial du corps. Une fois parvenu à la maîtrise de ces effets, vous pourrez vous amuser à les enchaîner en créant une chaîne d’effets – qui se fait, soit avec un processeur d’effets, soit avec plusieurs pédales à effets. Dans le premier cas, la chaîne est créée à l’intérieur dans un même appareil, tandis que dans un set de pédales, les effets seront enchaînés les uns à la suite des autres (ce qui créera la chaîne).N’hésitez pas à demander des conseils auprès de votre professeur de violon électrique, pour identifier les meilleurs outils du moment et surtout, ceux qui seront les plus adaptés à votre niveau de pratique et à vos ambitions !
